I 18 migliori film horror degli anni '60
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Ciò che rende gli anni '60 un decennio così interessante per i film horror è che - senza alcun accumulo o avvertimento dal decennio precedente - il genere è iniziato così scioccante nel 1960 che era troppo per la maggior parte del pubblico. Come tirare fuori un cerotto adesivo molto velocemente, solo per causare più dolore e dover fasciarlo di nuovo, il 1960 pubblicò un gruppo di scioccanti classici che le commissioni di valutazione e il pubblico non sapevano come reagire a molti di loro se non vietare e sperando di non vedere più simili orrori.
Il codice di produzione americano (con regole rigide su sangue, indumenti, lingua, letti e persino servizi igienici) ha iniziato a erodersi con Psicopatico e il pubblico ha visto cose che non aveva mai visto prima. Non solo una sanguinosa scena della doccia, ma anche una donna non sposata che si rilassa in un reggiseno e la stessa donna che tira lo sciacquone. Psicopatico Certamente ebbe successo negli Stati Uniti, ma gli studi pensavano che solo Hitchcock potesse spingere le persone a seguirlo rapidamente e il pubblico si sarebbe ribellato se qualcun altro si concedesse una tale dissolutezza (alcuni si ribellarono comunque). All'estero, Hitchcock ha dovuto modificare la maggior parte delle scene con sangue visibile sulle mani, ombre visibili di un seno, ecc. E nello stesso anno, Occhi senza una faccia era un film senza una data di uscita in molti paesi per le sue incisioni facciali; Guardone era un film che ha rovinato la carriera di uno dei registi più amati al mondo; e Domenica nera è stato bandito.
Quei film erano tutti incentrati su assassini rituali. Dopo il 1960, i principali studi sono tornati a orrori più sicuri che coinvolgono i fantasmi. E i prestigiosi registi hanno commesso orrori psicologici.
Sono stati gli italiani e i film americani di sfruttamento a basso budget a portare le lame insanguinate che i film del 1960 avevano loro consegnato. I registi stranieri si sono spinti oltre e hanno creato quelli che ora chiamiamo slashers (in Italia erano giallos). Nel 1968, il codice di produzione americano era terminato. E i cancelli insanguinati erano aperti.
Questa lista dei migliori film horror degli anni '60 mostra il genere sparso di accettabilità all'epoca. Dall'anno scioccante del 1960 alle storie di fantasmi ai giallos al terrore psicologico e alle parabole della sfiducia, ho arrotondato per eccesso a 18, proprio come molti dei rating board del mondo creerebbero entro la fine di questo decennio per indicare l'età corretta (17 in alcuni territori, 18 in altri) per assistere agli orrori degli anni '70.
'Black Sunday' (1960)
Prima Mario Bava avrebbe diretto i primi film slasher identificabili in Italia, che gli amanti del genere conoscono come giallos, ha realizzato questo ritorno al passato gotico che potrebbe facilmente cavalcare la migliore produzione di Hammer Films del decennio precedente. Domenica nera inizia con una sequenza di apertura sbalorditiva e orribile che porterebbe il film a bandire nel Regno Unito per anni, anche se non è neanche lontanamente violento come i film di Bava sarebbero diventati meno di mezzo decennio dopo.
In apertura, la principessa Asa ( Barbara Steele ) è condannata per essere una strega e ha una maschera satanica ingombrante e appuntita inchiodata sul viso da un enorme martello. È sepolta insieme al suo amante in una cripta. 200 anni dopo, due medici scoprono la tomba, vengono attaccati da un pipistrello e il sangue viene versato sulla sua bara. Staccano curiosamente la maschera dal volto della Principessa satanica e viene scatenata una maledizione, mentre Asa si impossessa di una donna verginale in città (di nuovo Steele) e si mette a scatenare la sua vendetta.
Domenica nera è stato il primo grande horror di Bava ed è appropriato vederlo affinare la sua arte entro i confini di un horror classico (spinto un po 'troppo oltre per alcuni) prima di creare un nuovo linguaggio cinematografico tutto suo.
'Eyes Without a Face' (1960)
Georges Francis è stato uno dei creatori della famosa Cineteca francese che ospitava classici perduti da tempo e ha introdotto i registi della New Wave francese. Aveva lavorato instancabilmente durante la seconda guerra mondiale per trovare, proteggere e spostare varie lattine di pellicola dalla distruzione. Franju era ovviamente un amante dell'immagine in movimento. E nel suo film più amato da lui stesso diretto, Occhi senza a Viso, l'immagine crea l'intero stato d'animo.
Il film inquietante di Franju segue un chirurgo plastico specializzato nel trapianto di tessuto cutaneo vivente da una persona all'altra. Quando provoca un incidente d'auto che sfigura sua figlia ( Edith Scob ), inizia a rapire le donne e scuoiarne la pelle, cercando di dare a sua figlia un nuovo volto; quando non funziona, fa cadere i loro corpi nel fiume dal suo assistente. Nel frattempo, sua figlia attende un nuovo volto dietro una maschera bianca, stranamente simile a un fantasma. Quando scopre cosa suo padre sta facendo per lei, Scob e Franju sono sorprendentemente in grado di mostrare tristezza non per se stessa, ma per le vittime che suo padre sta cercando di innestarle, con il solo movimento degli occhi dietro una facciata priva di emozioni.
'Peeping Tom' (1960)
Il pubblico ne era così inorridito Guardone che è stato effettivamente ritirato dai teatri. Si sono sentiti violati e traditi perché uno dei registi britannici più venerati e pieni di speranza, Michael Powell ( Le scarpe rosse ), aveva creato qualcosa di perverso e psicotico. Ha fatto confrontare gli spettatori con il livello di ricerca del brivido che sperano di ottenere da un'immagine in movimento seguendo un sporco fotografo / regista amatoriale ( Karl Boehm ) che fotografa foto di nudo per soldi, ma prova il suo vero brivido di filmare le donne mentre le accoltella a morte con una lama sul suo treppiede.
Quando il fotografo inizia a stringere un'amicizia con il vicino del piano di sotto, tenta di riformarsi, ma la sua psicosi va molto più in profondità dei brividi e rivela una nefasta sperimentazione nella paura, con suo padre come controllore e lui come soggetto. Powell, che ha sempre posseduto uno degli occhi visivi più impressionanti, usa le grida sgranate delle donne a bocca aperta per comunicare al pubblico che l'atto di fare un film sta fornendo qualcosa ai guardoni. Ci sono diversi livelli, certo, come il tizio che Boehm osserva mentre fa acquisti per foto di nudo in un negozio dice ma dice no all'acquisto di un film di nudo. Con un'immagine mantieni il controllo della tua fantasia. Con un film, qualcun altro ha il controllo dell'immaginazione e tu guardi.
'Psycho' (1960)
Alfred Hitchcock 'S Psicopatico è il grande kahuna di questa lista. L'assassinio sotto la doccia della nostra bella eroina ( Janet Leigh ) presenta 77 angoli di ripresa e quasi altrettanti tagli (e strilli di archi dal compositore Bernard Herrmann ). È uno dei momenti più perfetti di tutto il cinema. E c'è così tanto da disfare i bagagli da quei tre minuti da soli; tutto in questa scena è così vicino e stridente che dà l'effetto dell'elaborazione visiva stessa, mentre l'occhio incanala la violenza nello scarico della nostra mente.
Ma per quanto sorprendente sia quella sequenza, il resto del film è altrettanto fantastico. Una delle imprese più incredibili di Hitchock che riesce a realizzare Psicopatico sta creando personaggi completamente formati che sapeva avrebbe inviato a metà o che avrebbe introdotto a metà. È qualcosa che la maggior parte dei film dell'orrore non ha il coraggio di tentare: umanizzare la vittima che non ce la farà e contemporaneamente il loro rapporto con l'assassino. I nostri eroi, eroine e cattivi non hanno bisogno di essere con noi in ogni fase del percorso.
Psicopatico è una pura flessione del muscolo del film. Come Powell, Hitchcock capisce che l'atto stesso del cinema sta presentando qualcosa ai guardoni e inizia mettendo la sua attrice in un reggiseno, ma poi mostra il direttore dell'albergo disturbato ( Anthony Perkins ) guardandola attraverso un buco; Hitchcock sa che il pubblico si ritrarrà, anche se sta ripetendo lo stesso atto anti-Codice di produzione che lo stesso pubblico ha fatto all'inizio del film, cosa che probabilmente è piaciuta a molti del pubblico.
'Gli innocenti' (1961)
Gli innocenti è uno dei film horror più suggestivi di tutti i tempi. Sia dal punto di vista narrativo che visivo, questo racconto di fantasmi parla di ciò che facciamo nell'ombra. La cinematografia in bianco e nero rende imprevedibili i tremolii delle candele, lo spazio sotto una porta ancora più inquietante, ma Jack Clayton lo usa anche per evidenziare l'approccio bianco e nero dell'adesione giusta e sbagliata alla religione che fa impazzire le persone. Nel Gli innocenti , non siamo mai sicuri se i fantasmi siano reali o siano una manifestazione di una mente che si vergogna di aver perso l'innocenza.
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Deborah Kerr interpreta una governante che crede che il terreno della casa - dove si prende cura di due bambini orfani - sia infestato, forse anche lavorando per possedere i bambini. Il suo primo sentore di un'ossessione arriva dopo aver sentito lo zio dei bambini (un lascivo Michael Redgrave ) vantarsi di un incontro sessuale. Ci sono ulteriori prove che la precedente governante e il suo amante brutale avrebbero potuto introdurre la sessualità ai bambini in giovane età. Si ha la sensazione che la governante di Kerr sia così repressa sessualmente che il suo desiderio di prendersi cura dei bambini è un sostituto per i sentimenti di attrazione per il loro esperto zio. Vede gli spiriti spettrali, che siano lì o no, e Clayton e il direttore della fotografia Freddie Francis trova il terrore oscuro in ogni angolo. Ma un'impresa sottovalutata è stata fatta dallo sceneggiatore Truman capote , che gira una vite sul Henry James novella, La svolta della vite , e introduce un medaglione e una fotografia molto prima della novella di James per girare la vite sul pubblico e mettere tutto in discussione.
'Gli uccelli' (1963)
Gli uccelli è stato il film più difficile da realizzare (che combatteva contro tutti quegli uccelli e utilizzava una tecnologia molto primitiva) Alfred Hitchcock . Non regge così bene ora rispetto a molti dei suoi altri classici, semplicemente perché i progressi tecnologici anni dopo ci rendono consapevoli che nella maggior parte delle scene di attacco gli uccelli che si tuffano sono sovrapposti agli attori che reagiscono in un'inquadratura diversa. Inoltre non ha un finale soddisfacente o una linea emotiva che ci aiuti a superare tutti gli attacchi. Gli uccelli potrebbe non essere invecchiato in modo impeccabile come molti dei film del Maestro, ma mette ancora in scena molti momenti magistrali.
Che cosa Gli uccelli ha una straordinaria sezione sulle invasioni domestiche che ha fortemente influenzato ogni film di zombi o invasione domestica che sarebbe uscito dopo. Gli uccelli, che hanno iniziato ad attaccare gli umani senza motivo e sembrano avere un osso particolare da beccare con una socialite ( Tippi Hedren ) che è stata recentemente in tribunale per il suo comportamento audace, brulica la casa che la tiene dentro. Beccano attraverso i muri, i loro becchi spuntano come un gioco Whack-a-Mole. Il suo interesse amoroso ( Robert Taylor ) deve salire a bordo delle porte e inchiodare i mobili davanti ai punti deboli.
Gli uccelli mostra tutte le tattiche di sopravvivenza che ora conosciamo dai film di zombi e presenta anche il momento fatalista in cui l'eroina sale al piano di sopra. Rimani sempre al piano di sotto.
'The Haunting' (1963)
Molte delle grandi storie di fantasmi abbracciano il nostro scetticismo sul fatto che i nostri protagonisti siano effettivamente perseguitati da fantasmi o semplicemente perdono la testa a causa di suoni inspiegabili, posizionamenti dimenticati di oggetti e la loro mente riempie gli spazi vuoti in modi che poi presentano visi spettrali. Robert Wise 'S La caccia presenta questo come una sfida. C'è una villa spettrale con storie tramandate di fantasmi, morte e follia. Qualcuno sta per ereditare la casa, però, quindi paga per mandare i ricercatori del paranormale a rimanere nella casa e fornirgli spiegazioni per l'infestazione.
La casa sulla collina è davvero infestata dai fantasmi? O sentirsi dire che è stregato gioca brutti scherzi a tutti dentro? Alcuni mantengono lo scetticismo. Altri impazziscono. Sembra che se la casa vuole qualcosa, sono entrambe queste risposte, perché sia lo scetticismo che la convinzione continueranno a mandare le persone lì per le risposte.
'Blood and Black Lace' (1964)
Mario Bava cambiato per sempre l'orrore con Sangue e pizzo nero . Già maestro dell'horror, Bava ha dato il via al genere giallo (lettere di sangue italiane) con uccisioni altamente stilizzate e raccapriccianti, interessanti inquadrature di punti di vista che nascondevano l'identità dell'assassino e allo stesso tempo rinunciavano a punti di osservazione ravvicinati per affettare e strangolare, e impostare colori che erano come brillante come il finto sangue rosso che sgorgava dalle ferite.
Sangue e pizzo nero L'ambiente è una casa di moda in cui le modelle vengono assassinate. In quello che diventerà un fiocco giallo, l'assassino indossa guanti neri, un cappello nero e un trench nero con un coltello a serramanico e fili in tasca. In un'espressione diabolica, Bava mette in scena una delle cacce in una stanza piena di manichini, con il modello spedito non appena l'industria stessa si sbarazza di quei corpi; con testimoni muti e senza volto alle pratiche dell'industria come i manichini agli omicidi.
'Silenzio ... Silenzio, dolce Charlotte' (1964)
Robert Aldrich accampamento diva prima ancora che fosse una cosa nota. Sunset Boulevard è stato il primo film a fare veramente uso di una stella di Hollywood sbiadita, ma lì ha presentato la vecchia star di Hollywood come con un desiderio malato di applausi continui. Nel 1962, Aldrich's Che fine ha fatto Baby Jane? permesso Bette Davis e Joan Crawford per diventare pazzi come due sorelle - che erano delle star - si torturano a vicenda all'interno di un condominio senza pretese.
Sebbene, Baby Jane ha elementi horror (Crawford è sia legato a un letto che affamato quando non le vengono serviti topi per cena), Aldrich Zitto ... Zitto, dolce Charlotte ottiene il cenno qui. Strutturalmente, le storie sono molto simili. Entrambi iniziano con un atto violento. Ed entrambi ruotano attorno a una Bette Davis disfunzionale e sfacciata ea un segreto di famiglia custodito da un altro parente (qui, Olivia de Havilland sottotitoli per Crawford, che era stato originariamente scelto, ma si è ritirato, probabilmente consapevole che Davis ancora una volta aveva il ruolo più succoso; anche se de Havilland forse sa meglio come allontanarsi da Davis e non cercare di eguagliarla, ma essere più riservato nella sua performance). Ma mentre Baby Jane ha avuto momenti di accampamento acuti e lodevoli, Carlotta rende tutto più raffinato e gotico. L'omicidio della mannaia di carne Bruce Dern è sicuramente uno dei momenti più grafici nel film di quel periodo di tempo. Perde un arto prima che venga inflitto un altro colpo. Il sangue è sul vestito di Charlotte, ma poiché è un'adolescente di una famiglia rispettata, è stata praticamente condannata a vivere nella sua villa del sud e a non disturbare nessuno. Quando abbiamo incontrato Charlotte da adulta (Davis), sta puntando un fucile contro gli sviluppatori che stanno cercando di guidare un'autostrada attraverso la sua terra, e riceve visite notturne dai fantasmi degli uomini che sono stati assassinati in casa, e sangue fresco ricomincia ad apparire sui suoi vestiti.
Baby Jane è stato uno spasso. Dolce Charlotte è più Grand Guignol, con ombre di alberi di magnolia, fantasmi e arti mozzati. Uno è il campo, l'altro è il campo alto. In modo abbastanza appropriato, il termine 'campo' è stato utilizzato per la prima volta nel 1964, in un saggio di Susan Sontag .
'Repulsione' (1965)
Roman polanski Il primo film in lingua inglese segue una donna fratturata che teme la penetrazione da parte di ogni uomo che incontra. È anche un film che irrompe in nuove fratture a causa delle svolte grottesche e tortuose nella vita personale di Polanski che sono arrivate dopo (l'omicidio di culto con lavaggio del cervello di sua moglie e suo figlio e il suo stupro drogato di un adolescente). C'è un senso in Repulsione che nessuno ha il controllo della propria mente. Certamente Carole ( Catherine Deneuve ) non ha alcun controllo sulla sua paura del sesso (con piccoli accenni di precedenti abusi). Ha incubi di mani che sfondano il muro e la palpano e pensa agli uomini che la mettono alle strette e la violentano. È paralizzata e quasi muta da queste visioni.
C'è anche la sensazione che nemmeno gli uomini possano farci niente, non necessariamente che tutti gli uomini possano potenzialmente violentare, ma non sanno come non essere eccitati da qualcuno bello come Deneuve. Polanski filma la maggior parte dei suoi crolli psicologici mentre indossa una camicia da notte quasi trasparente. Non credo che debba essere gratuito, ma forse Polanski ritiene che dovrebbe fornire la prova che lei dovrebbe davvero avere paura. Anche quando ha avuto un crollo completo e ha bisogno di aiuto dal pavimento, il maniero in cui è cullata dall'uomo che l'aiuta viene filmato come una conquista riuscita di portare una vergine in camera da letto per la prima volta. Repulsione è un fantastico studio psicologico che è forse ancora più psicologico e, a volte, ripugnante, ora che sappiamo dell'esistenza fratturata di Polanski.
'Kill Baby, Kill!' (1966)
Mario Bava 'S Kill Baby, Kill! è il Cittadino Kane di giallos. Puoi vedere e sentire l'influenza su Dario Argento e altri schizzi di sangue stilizzati ovunque. C'è la tavolozza dei colori di Bava di verdi e rossi brillanti, che fa sembrare ogni luogo spettrale per un potenziale omicidio la vetrata di una chiesa che sta per diventare rossa. C'è una colonna sonora piena di sospiri e rantoli spettrali che in seguito si sarebbero insinuati Goblin Gli spartiti elettronici. E poi c'è l'inventiva telecamera di Bava che ingrandisce le scale a chiocciola e il punto di vista della telecamera da un'altalena oscillante. Questi tropi hanno impronte digitali in tutti i migliori shock italiani che sarebbero stati rilasciati per i prossimi 30 anni. Forse se avesse un titolo migliore, Kill Baby, Kill! sarebbe giustamente menzionato da tutti come uno dei più grandi film horror di tutti i tempi.
Nel Kill Baby, Kill! il fantasma di una ragazza che è stata calpestata dai cavalli infesta una città della Transilvania. Appare in un vestito, facendo rimbalzare una palla, e se il contatto visivo viene stabilito, il controllo mentale e una morte orribile seguono presto. Ci sono cimiteri nebbiosi, spesse ragnatele, tagli alla gola, tempie forate e impalamenti; sarebbe senza dubbio scioccato nel 1966. 50 anni dopo, l'unicità delle scelte di telecamere di Bava risuona ancora e ispira il tipo di rantoli e sospiri deboli che presto avrebbero popolato i paesaggi sonori del cinema shock.
'Seconds' (1966)
John Frankenheimer 'S Secondi è una parabola anti-mainstream / anti-controcultura sull'invecchiamento che è più un thriller che un horror, ma ha certamente importanti elementi horror. C'è una telefonata da un uomo morto, una società segreta che è ospitata sotto un macello, e molteplici interventi chirurgici forzati e identità nascoste dalle bende. Inoltre, il grande direttore della fotografia James Wong Howe utilizza molte configurazioni di telecamere con lenti fish-eye per dare un'immensa sensazione di terrore, farti dubitare se ciò che stai vedendo sia reale e si potrebbe sostenere che abbia influenzato notevolmente la cerimonia dello stupro del diavolo in Rosemary's Baby due anni dopo.
John Randolph è un banchiere annoiato che riceve una telefonata da un uomo che pensava fosse morto, ma conosce il tipo di cose che solo l'uomo che afferma di essere in realtà saprebbe. La voce del morto ha detto che c'è una compagnia che fingerà la tua morte e ti darà un nuovo corpo e identità e ti piegherà in una comunità di persone che stanno vivendo la loro seconda possibilità di vita (quello che lui non dice è che è bloccato un'eterna sala d'attesa che cerca di tornare alla vita che si è lasciato alle spalle, ma deve reclutare un nuovo corpo per andarsene). Non c'è modo di tirarsi indietro, poiché la società droga e filma anche i loro soggetti che compiono azioni cattive a scopo di ricatto. Così Randolph diventa un aspetto più giovane Rock Hudson la cui seconda possibilità coinvolge orge calpestate dal vino, certo, ma non ha il libero arbitrio e non ha la capacità di fuggire.
'Spider Baby' (1967)
Sebbene ci siano tocchi di accampamento e sfruttamento in questo elenco, Spider Baby è il miglior vero film horror americano di sfruttamento del decennio (con una punta di cappello onnisciente a Hershel Gordon Lewis , che ha aperto la strada agli effetti gore durante questo decennio, ma i suoi film non hanno mai fatto molto di più che schizzare sangue e balbettare dialoghi). Ha una sigla di merito su un'orgia cannibale in cui tutti sono 'sicuri di finire nella pancia di qualcuno', dopotutto. Spider Baby parla di un custode molto premuroso ( Lon chaney ) che si occupa di una casa di giovani adulti consanguinei. Cerca di impedire loro di incontrare estranei perché hanno una malattia degenerativa del cervello che li fa avere il cervello consapevole di un bambino di cinque anni, tranne che con il desiderio di uccidere e mangiare chiunque non sia di famiglia. La famiglia allargata li ha lasciati morire in una casa per rimuovere il gene dalla loro linea di sangue, ma ovviamente alcune persone vengono a cercare di valutare il valore della casa e il 'tempo di gioco' inizia.
Jack Hill 'S ( Coffy ) è troppo strano per il mainstream ma non abbastanza violento per le teste di sangue. Ma se prendi elementi di Freaks , Duemila maniaci e aggiungi una scena di inseguimento in lingerie e le scomode tecniche di seduzione del corpo adulto delle donne che vengono costantemente descritte come 'bambine', quindi hai una bella rete di divertimento sfrenato qui. Bonus culto aggiunto: Sig Haig ( I rifiuti del diavolo ) è uno dei 'figli' innati.
'Kuroneko' (1968)
Troverai spesso Masaki Kobayashi Il tetrapittico ipnotico di racconti popolari soprannaturali, Kwaidan , in una lista dei migliori film horror degli anni '60. È poetico. È visionario. La musica è inquietante. Ma è più pacatamente meditativo e moralistico che orribile. Anziché, Kaneto Shindo 'S Kuroneko ( Gatto nero ) ha l'onore di rappresentare l'ascesa del Giappone nel cinema horror degli anni '60. Anch'esso è poetico, visionario, inquietante e moralista, ma presenta anche un horror più reale di Kwaidan . Un gatto nero beve sangue, le donne prelevano sangue dal collo di uomini ignari, fantasmi seducenti uccidono i samurai per impedire alle proprie anime di entrare nelle porte dell'inferno e una casa che è stata bruciata per gli adulti riappare spettralmente. Sì, questo è senza dubbio un film dell'orrore.
Kiwako Taichi e Nobuko Otowa sono i fantasmi con la sete di sangue dei samurai; erano anche la moglie e la madre di un soldato ( Kichiemon Nakamura ). Il soldato combatte lontano da casa da alcuni anni. Durante quel periodo, sua moglie e sua madre vengono scoperte da una banda di samurai sulla via del ritorno al loro villaggio; vengono violentati e bruciati vivi nella loro casa. Mentre i loro cadaveri sono nutriti da un gatto nero, le loro anime fanno un patto con il diavolo per rimanere a perseguitare i boschi, uccidendo tutti i samurai; si avvicinano a loro attraverso la seduzione e poi bevono il loro sangue. Il marito, tuttavia, è diventato un samurai dopo il suo coraggio in battaglia e sua moglie e sua madre hanno una scelta molto difficile su cosa fare con lui.
Il film di Shindo è una splendida confutazione alla natura eccessivamente servile della letteratura e dei film sui samurai. Con l'eccezione del marito valoroso, i samurai si dimostrano essere individui egoisti che non si prendono cura degli abitanti dei villaggi periferici; contano solo il loro rango e la loro libido. Non è anti-samurai, ma contro l'abuso di potere.
'La notte dei morti viventi' (1968)
Gli zombi in George A. Romero 'S La notte dei morti viventi sono chiamati 'ghoul', ma ciò nonostante questo è il film che ha creato gli zombi del film come li conosciamo: creature vuote e sconsiderate che si aggirano con sguardi vacui e conservano a malapena un senso somigliante alla loro umanità. Per questo motivo, il brivido dello zombi del film è stato generalmente nel vedere come i nostri eroi con il cervello li affrontano con grande efficienza e crudeltà. Non sono più umani, dopotutto.
Tuttavia, rivedi il film di Romero e cerca di non scappare avendo più simpatia per i 'ghoul' rispetto alla maggior parte degli umani. Gli esseri umani viventi mantengono per lo più solo gli attributi appresi più deboli dell'umanità: pregiudizio, xenofobia ed egoismo. Il non-ghoul più altruista che seguiamo ( Duane Jones ) è notoriamente colpito - dopo aver combattuto valorosamente contro i ghoul - semplicemente perché il colore della sua pelle provoca una reazione sospetta all'uomo dall'altra parte del fucile. Ma Romero pianta molte altre diffidenze nei motivi dell'autorità dappertutto La notte dei morti viventi . Nel 1968, l'opinione pubblica recente sulla guerra del Vietnam e sulle tattiche della polizia durante il movimento per i diritti civili si era spostata per non dare più la fiducia totale delle migliori intenzioni alle forze dell'ordine, ai generali e ai soldati. Sono umani dopotutto e molti umani nutrono cattive intenzioni nei confronti degli altri. Basta guardare la sepoltura dei ghoul un tempo umani che vengono trascinati fuori da uncini e bruciati in un mucchio e cercare di non pensare a nessuna guerra xenofoba oa una visione sistemica orribile dell ''altro'.
'Rosemary's Baby' (1968)
Per me, Rosemary's Baby è il miglior film horror di tutti i tempi. Funziona così bene a tutti i livelli. Una coppia di sposini, Rosemary ( Mia Farrow ) e Guy ( John Cassavetes ) sembrano idilliaci quando ci vengono presentati mentre fanno acquisti per un nuovo appartamento a Manhattan. Ma quando c'è una mancanza in una persona, diventa una mancanza in una relazione. Guy è un attore in difficoltà e Rosemary dice a tutti coloro che ascolteranno le due commedie e gli spot pubblicitari in cui è apparso. Questo dovrebbe suonare come supporto, ma per Guy è un promemoria del suo fallimento percepito. Nel loro nuovo condominio fanno amicizia con alcuni vecchi pazzi ( Ruth Gordon e Sidney Blackmer ) in fondo al corridoio.
In una sequenza infernale, Rosemary si addormenta su un letto sull'acqua, intravede Satana che si arrampica su di lei mentre Guy, i vicini e altri mostri guardano il demone artigliare e spingere e non assisterla mentre piange. Al mattino, si sveglia nuda con segni di artigli su di lei. Suo marito dice che ha deciso di metterla incinta anche se dormiva perché era dell'umore giusto e ne avevano parlato. E se fosse 'ubriaca'. Rosemary in seguito pensa di essere stata violentata dal Diavolo e che Guy ha promesso al figlio del Diavolo ai loro vicini satanisti di migliorare la sua carriera.
Non solo la cerimonia è una delle sequenze più terrificanti e sconvolgenti mai realizzate in un film, è anche una delle più grandi violazioni del cinema. C'è una violazione della fiducia e del corpo così profonda nella cerimonia, ma è ulteriormente insultata dal lassista insabbiamento di Guy del 'Ti volevo in quel momento'. Il resto del film mostra Rosemary completamente incapace di avere un'agenzia per qualsiasi scelta che coinvolga il suo corpo. Tutto viene deciso dagli anziani e dai medici maschi; anche quello di cui si fida, il dottor Hill ( Charles Grodin ), che ha scelto da sola, la consegna a un altro medico perché pensa che sia instabile. Ogni uomo la zittisce e pensa che non abbia idea di cosa sta succedendo nel suo corpo. Con molti uomini che si sentono ancora confusi e storditi (come Rosemary sul suo letto drogato) su ciò che effettivamente costituisce il consenso e la scelta, Rosemary's Baby è ancora uno dei film più terrificanti e necessari mai realizzati.
'Blind Beast' (1969)
Yasuzo Masumura 'S Bestia cieca svolge il difficile compito di usare la pellicola per esplorare le sensazioni fisiche di non avere la vista. Combatte anche con la dominazione sessuale, la sindrome di Stoccolma e presenta lo smembramento del corpo. È un film di sfruttamento piuttosto inebriante che è stato realizzato in modo molto artistico e alla fine funge da precursore unico della modificazione ossessiva del corpo, utilizzato sia per il piacere che per il dolore che sarebbero presenti nell'unicità del tutto Tetsuo: Iron Man serie.
Bestia cieca inizia con una madre affettuosa che rapisce un modello ( Mako Midori ) e gettandola in un enorme studio di scultura che non riceve luce. Dentro, suo figlio cieco ( Eiji Funakoshi ) ha scolpito l'intero spazio in omaggio alle parti del corpo delle donne; un punto di riposo è tra i seni, lo spazio digrada lungo uno stomaco di argilla in un'altra area. Desidera un nuovo esemplare per imparare ogni parte del suo corpo attraverso il tatto e trasformarsi nel suo lavoro più completo. Resiste (e il cambiamento dello stupro che si trasforma in sottomissione, poi in seduzione, poi in godimento è oscuro qui, ma non ha mai giocato per eccitazione) ma alla fine diventa così in sintonia con i suoi sensi che anche lei desidera diventare cieca. Insieme esploreranno i corpi in un modo diverso e più orribile; e le fantasie morbose lasciano il posto all'autodistruzione.
che periodo di tempo è il mandalorian
Questo è un film stimolante che richiede una certa preparazione per resistere, non per il sangue, ma per le sue idee. Cosa c'è di spaventoso Bestia cieca è meno ciò che vedi a livello di base, ma ciò che elabori dopo che i mirini sono stati inviati al tuo cervello. Vediamo momenti di vera intimità e vera perversione tortuosa ed entrambi atterrano con premurosa immediatezza.
'The Honeymoon Killers' (1969)
Sto terminando questo elenco con un film che non è un puro film horror, ma che entra nella discussione sul genere nello stesso modo in cui qualcosa come Henry: Ritratto di un serial killer fa. Leonard Kastle 'S Gli assassini della luna di miele è stato il film serial killer più girato naturalmente del suo tempo. È dotato di un colpo di martello alla testa che non viene eseguito con un primo piano extra ma viene eseguito in una cornice di tutto il corpo, sottolineando la reazione dolorosa della donna sul lato ricevente e il 'perché non muori e basta già ”reazione della donna che l'ha consegnata. Solo due anni dopo Bonnie & Clyde sbalordito il pubblico americano con proiettili al rallentatore in ferite sanguinanti, Kastle ha realizzato un film che non romanticizza la violenza come un bagno di sangue poetico, ma la presenta in modo così concreto da farti sentire come se fossi in soggiorno a guardare questi ' Assassini cuori solitari ”commettono omicidi dopo omicidi. Ha ricevuto una recensione positiva da Variety in occasione di una mostra nel 1969, ma non è stata toccata dai distributori fino all'anno successivo. È stato vietato in molti paesi fino agli anni '80, ma ha anche la particolarità di essere il film americano preferito di tutti i tempi di uno dei più grandi nomi della New Wave francese, Francois Truffaut .
The Lonely-Hearts Killers ( Sedie Shirley e Tony lo bianco ) si sono incontrati tramite un servizio di amico di penna di un giornale per trovare l'amore. Ray (Lo Bianco) è un truffatore che guadagna la fiducia della donna, ottiene alloggio gratuito, promette matrimonio e poi le uccide. Tuttavia, non uccide Martha (Stoler). E i due si atteggiano a fratello e sorella mentre lui raccoglie nuove vittime e lei diventa gelosa nel vedere l'altra donna raggiante in sua presenza. Uccidono insieme, ma Martha inizia a uccidere in modo più brutale e appassionato, cercando di porre fine al suo intrappolamento e andare avanti con l'uomo che ora ama.
A differenza dei giallos che l'hanno preceduto o degli slashers anni '70 che sarebbero seguiti, Gli assassini della luna di miele non va per lo stile. In effetti il budget era così piccolo che il regista originariamente assunto, Martin Scorsese (!!), è stato licenziato perché ha passato troppo tempo a scattare foto di inserti lunatici che hanno rallentato la produzione (come i colpi di spazzatura lasciati in spiaggia). Poiché il budget non prevedeva alcun giorno in più, lo sceneggiatore, Kastle, si è fatto avanti per finire e dirigere il suo unico film. È girato quasi come un documentario, con un suono irregolare e la mis-en-scene di un principiante. È solo il suo (magnifico) uso di Gustav Mahler Sinfonie preesistenti che ti ricordano che non stai guardando qualche filmino illecito. Gli assassini della luna di miele è un raro film per principianti che sembra rivoluzionario.