33 fantastici film degli anni '70 dimenticati dal tempo

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Gli anni '70 ci hanno regalato un grande cinema di tutti i tempi, ma i tagli profondi sono buoni quanto i più grandi successi.

Gli anni '70 sono spesso considerati la seconda età dell'oro di Hollywood. Incoraggiato dal successo di Dennis Hopper 'S Easy Rider che hanno chiuso gli anni '60, molti studi hanno mostrato la volontà di affidare a giovani produttori, scrittori e registi il ​​compito di dare una voce tutta nuova al cinema. Il risultato è stato una lista unica di classici di nuovi maverick del cinema come Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas e Peter Bogdanovich , per dirne alcuni. Il modo in cui differivano dai grandi precedenti era attraverso la rinuncia al classicismo per un'associazione più stretta con la realtà, attraverso più suoni o canzoni rock 'n roll invece di colonne sonore, attraverso trame più intime nel seguire un personaggio più della loro storia e avventurarsi fuori dal palcoscenico e fuori. nel mondo reale.

Sebbene molti di quei nomi siano stati il ​​fulcro del nuovo successo narrativo per il decennio, gli anni '70 hanno avuto molti grandi film che hanno anche attinto allo spirito ribelle dei nuovi autori senza continuare a ricevere un classico splendore. Ogni decennio ha dimenticato i film, ma gli anni '70 sono un tesoro di film ribelli, eccentrici e vivi, ma non più menzionati.



Per creare questa lista iniziale, avevo solo un criterio: il film doveva ricevere meno di 10.000 voti su IMDb, che sembra essere un buon barometro sul fatto che un film sia stato lasciato indietro o meno nello zeitgeist retrospettivo. Con questa metodologia sono state scoperte alcune cose. Innanzitutto, molti dei film che potrebbero potenzialmente arrivare qui erano sperimentali con la narrativa, o grindhouse o stranieri, il che non sorprende, ovviamente. Ma più sorprendente è stato il fatto che molti dei grandi film americani di questo decennio che sembrano non avere più un fervente seguito ma sono stati diretti da un autore riconosciuto come Altman o Ken Russell , spesso presentava una protagonista femminile.

Immagine tramite Paramount Pictures

I grandi film degli anni '70 appartenevano in gran parte agli uomini, erano girati da uomini e raccontavano le storie quasi esclusivamente attraverso gli occhi degli uomini e cercavano di decodificare cosa significa essere un uomo d'onore. Sono ancora grandi film, ovviamente, ma il cinema degli anni '70 è stato la prima vera barriera di genere per i film; tutti gli elogi e i premi stavano andando Il Padrino, Qualcuno volò sul nido del cuculo, Rocky, The French Connection, Il cacciatore di cervi ecc. ed è netto rispetto ai decenni precedenti in cui i film guidati da donne piacciono L'appartamento, My Fair Lady, The Sound of Music , ecc., potevano ancora vincere i migliori premi cinematografici negli anni '60. Gli anni '70 sono quando il successo e il prestigio sono diventati davvero unilaterali e la stragrande maggioranza delle immagini di prestigio si è concentrata sugli uomini. Potrei obiettare che è stato allora che l'idea della foto di un uomo e quella di una donna si sono davvero frammentate. Dagli anni '70 ci ha anche dato l'idea di un blockbuster che ha cambiato per sempre il cinema, con Guerre stellari , quel divario è aumentato negli anni '80 e solo ora stiamo iniziando a vedere un ritorno a film femminili di prestigio realizzati da grandi registi.

Questo non significa criticare i film fantastici come Il Padrino, Apocalypse Now, Badlands, Dog Day Afternoon, e sempre di più che sono usciti negli anni '70, ma vale la pena notare che la maggior parte dei film in questa lista - che non hanno ricevuto il supporto iniziale dello studio e non hanno più il supporto di un sistema di voto come IMDb - presentano donne in i ruoli principali. Il resto è straniero, marginale e cattivo. O in alcuni casi, sono il debutto alla regia di un regista che avrebbe avuto un seguito di culto, come Walter Hill e Elaine May . Leggi alcune delle scelte e ascolta i film con cui sei d'accordo o potresti voler dare un'occhiata, o quali mega classici pensi siano sopravvalutati.

The Lickerish Quartet (1970)

Radley Metzger è stato un pioniere dell'erotismo. Mentre ai suoi contemporanei piace Russ Meyer e Tinto Brass Trascorsi gli anni '70 mettendo in risalto caratteristiche femminili specifiche (Meyer i seni e Brass i mozziconi), Metzger faceva arte che occasionalmente presentava fornicazione. Non credermi sulla parola, Andy Warhol chiamato Il Lickerish Quartet 'Un capolavoro oltraggiosamente stravagante' e l'UCLA ha restaurato le sue stampe cinematografiche e tenuto delle retrospettive per evidenziare il suo lavoro. È accademico.

Il Lickerish Quartet inizia in un castello europeo dove una famiglia benestante guarda un vecchio 'film blu' (come si fa con la famiglia in un castello), poi si reca in un circo dove guarda alcuni giochi temerari. Notano che una motociclista ( Silvana Venturelli ) assomiglia molto alla donna che compare principalmente nel film sporco che hanno appena visto. Quindi, ovviamente, la invitano a tornare al loro castello, dove parlano di trucchi in bicicletta, le mostrano il video cattivo e la invitano a realizzare ciascuna delle loro fantasie, una per una. Nel frattempo, chiede più volte, 'chi ha la pistola' e il patriarca della famiglia ( Frank Wolff , che ha avuto piccoli ruoli in entrambi C'era una volta nel West e Il grande silenzio ) ha dei flashback al suo tempo in guerra. Sì, c'è il sesso e c'è della stupida musica fantasy, ma ciò che fa Lickerish Quartet impressionante - e uno dei pochi film del suo genere in cui puoi guardare per la cinematografia, la storia e il design della produzione e tenere ancora la tua carta da cinefilo snob - sono le impostazioni fantasiose, il montaggio e le modifiche alle ambientazioni (una libreria si trasforma in un dizionario sporco, per esempio). Potresti surriscaldarti, ridere, ma ti sentirai anche a disagio per la guerra e i genitori.

Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970)

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Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto è il raro capolavoro di cui mi piacerebbe vedere un remake aggiornato. Le sue preoccupazioni governative sono così eterne, così mature, così intrecciate nel tessuto passato e futuro della società di governo corrotta. Donald Trump una volta si vantava di essere così popolare con la sua base da poter sparare a qualcuno sulla Fifth Avenue e non subire mai alcuna conseguenza. Bene, questo è come un film, tranne che molto più intelligente, curioso e preoccupato per ciò che significa effettivamente quell'ammissione aperta.

Un cittadino al di sopra dei sospetti presenta il capo della polizia romano ( Gian Maria Volonte ) mentre entra nell'appartamento di un amante che gli chiede come farà a fingere di ucciderla stasera, tranne che invece di impegnarsi nel loro solito gioco di ruolo lui la uccide; lascia apposta un pasticcio di indizi, curioso di vedere se il suo status, che è ciò da cui la donna era attratta, potesse effettivamente salvarlo da eventuali ripercussioni per un reato capitale. Il Ennio Morricone la colonna sonora, che è solo una composizione a tema ripetuto, include un'esplosione di arpa mascella che ti fa sapere che va bene trovare l'umorismo in tutto ciò che si svolge. Ma, sebbene il commento sociale e la satira stessa siano molto forti, la vera padronanza di Elio Petri Il film sta nel modo in cui usa i flashback tra il capo della polizia e la donna assassinata, Augusta Terzi ( Florinda bolkan ). La vediamo tendere una trappola, a sua insaputa, annoiarsi una notte e ubriaca chiamare la stazione di polizia per far arrabbiare chiunque risponda descrivendosi nuda nel suo appartamento con un intruso ed è curiosa se qualcuno lì la salverebbe o se loro ' Avrei solo lasciato che venisse violentata e ignorato qualsiasi rapporto futuro. Il capo viene a ispezionare e interessato al suo potere, lei continua a spingerlo a fare cose per il brivido di essere troppo potente per ricevere qualsiasi colpo di nocche.

È importante sottolineare che, sebbene Augusta sia coinvolta in questa danza del macabro, Petri non la biasima mai per la sua scomparsa. Bolkan interpreta Augusta come una donna che si ribella alla società ma quella ribellione la avvicina agli uomini di potere e anche agli uomini della parte rivoluzionaria che vogliono soffocare tale potere; lei è costantemente agitata dall'infrangere le leggi, ma cade immediatamente in una depressione della consapevolezza, dove lui non lo fa.

Un'importante distinzione in Sopra ogni sospetto è chi viene nominato e chi no. La maggior parte degli uomini nelle posizioni di governo non è indicata per nome, ma piuttosto per il loro rango, il che li rende non umani ma lo Stato personificato. Quelli che vengono nominati sono o vittime o coloro che sono sotto sorveglianza per le loro tendenze comuniste. È una distinzione importante che dopo Mussolini, al fascismo italiano sia stato permesso di continuare, peggiorare e crescere, semplicemente per la paura che il comunismo lo sostituisse. Inoltre, mentre Petri taglia tra i suoi tentativi di essere scoperto e la sua relazione passata con Augusta, ci rendiamo conto che la sua rovina sociopatica è legata a ciò che più spesso è per gli uomini di potere, un colpo al loro ego sulla loro virilità sessuale. Anche se non è detto, abbiamo la sensazione che il motivo per cui commette questo crimine sia per poter passare al capo della polizia politica, per ascoltare i rivoluzionari che li associano alle preferenze sessuali di Augusta perché lei si intrufola per fare l'amore con un giovane comunista dopo averlo respinto sulla spiaggia.

Questa è un'opera semplicemente meravigliosa di corruzione, desiderio e tendenze sociopatiche che si intreccia e si alimenta dal potere e diventa corruttibile. Una stanza piena di uomini che manifestano il tipo di potere che consente a tali perversioni di fiducia di continuare. Uomini senza nome, che proteggono i propri, vittime e verità siano dannati. Suona familiare?

Gli amanti della musica (1970)

Gli amanti della musica ha suscitato questa risposta da una delle più grandi critiche cinematografiche di tutti i tempi, Pauline Kael: 'Ti senti (come) dovresti guidare un paletto nel cuore dell'uomo che l'ha creato'. L'uomo che l'ha creato lo è Ken Russell . Storicamente parlando, Gli amanti della musica segue i tentativi eterosessuali condannati dal famoso compositore Pyotr Tchaikovsky ( Richard Chamberlain ) mentre si eleva nel mondo musicale voltando le spalle alla sua omosessualità e prende parte a una finzione di matrimonio. Riguarda il potere della musica, ma anche la distruttività del trattenere il sesso, da se stessi e dagli altri.

Dopo essersi potenzialmente presentato ai compositori veterani dei famosi Mighty Five russi, Čajkovskij ha scelto sua moglie da una serie di lettere d'amore che lei gli aveva scritto senza mai incontrarlo. Nella sua mente, perché conosceva solo la sua musica che era tutto ciò di cui aveva bisogno per amarlo. Ma Antonia (un fantastico Glenda jackson ) aveva bisogno di più della sua musica. Aveva anche bisogno del sesso per sentirsi amata. Quella frase potrebbe sembrare grossolana e Russell a volte la presenta così, ma è anche straziante. C'è umiliazione sia nel rifiutare qualcuno per sesso che nell'essere rifiutati.

C'è una magnifica scena durante la loro luna di miele in cui Čajkovskij fa ubriacare specificamente Antonia su un treno in modo che non abbia bisogno di fare sesso, ma lei ci prova ancora. Svenne nuda sul pavimento del loro vagone e i dossi dei binari la fanno oscillare violentemente avanti e indietro; Čajkovskij guarda con orrore il suo corpo vulnerabile. È questo orrore della sessualità che forse ha provocato la reazione del palo da parte di Kael. Per Russell, come regista, è tutt'altro che classico. Lui, come Čajkovskij qui, era nuovo sulla scena nel 1970. E ha radicalizzato quello che si poteva fare con un'epica storica. Questo non è David Lean. Questo è un film che rievoca le visioni che creiamo quando ascolta la musica. E uno che considera un manicomio come un terreno fertile per, beh, follia. Questo è il film più insolito e rumoroso che abbia mai ricevuto le pennellate generalmente riservate ai poemi avventurosi.

Una nuova foglia (1971)

Woody Allen e Mel Brooks ricevere la maggior parte dei riconoscimenti per le commedie americane negli anni '70, ma Elaine May merita di essere menzionato come loro pari (opportunamente, Allen l'ha recentemente scelta come sua moglie nella sua serie Amazon, Crisi in sei scene ). Il ragazzino spaccacuori è il suo capolavoro (e maledettamente vicino a un intrattenimento perfetto) ma Una nuova foglia è stato il suo fantastico inizio.

Foglia riguarda Henry Graham ( Walter Matthau ), un idiota del fondo fiduciario che non ha veri hobby o conoscenze. Lo incontriamo quando viene informato che non ha soldi veri; ha speso tutto. In un ultimo disperato tentativo di continuare ad andare al country club e vivere l'alta società, scommette con lo zio che potrebbe essere sposato con una donna ricca in sei settimane. Se avrà successo, il suo debito sarà perdonato e alla fine ucciderà la sposa subito dopo la cerimonia per ricevere la sua eredità. May stessa interpreta la potenziale sposa, una donna goffa e libresca con cui nessuno parla al club dell'alta società.

Una nuova foglia è un classico Preston Sturges - commedia slapstick ispirata con una lezione diabolica entro la fine del suo tempo di esecuzione. La consegna impassibile di Matthau è perfetta per rappresentare un idiota privo di talento ma autorizzato e poiché gli anni '70 hanno creato il quadro per la crescente disparità di reddito, la sua stupidità è ora più tagliente. Ma il sinistro colpo di scena satirico che May ha nella manica è l'idea che la ragione per cui gli uomini spediscono così facilmente donne e relazioni è perché cercano qualcuno che dia loro un'eredità. Per molti, questo è un erede che gestisce una società con il loro nome sopra, ma per il fop di Matthau, sta avendo una nuova specie di pianta che porta il suo nome. Un gesto del genere gli farà voltare pagina e pensare a qualcun altro oltre a se stesso?

Il ragazzo amico (1971)

Ken Russell dà Sandy Wilson Il successo di Broadway Il fidanzato alcuni film razzle-dazzle. Lo spettacolo stesso parla dei ruggenti anni Venti e di due giovani che si innamorano contro i desideri dei loro genitori. Questo adattamento riguarda un sostituto ( Twiggy ) in un teatro londinese degli anni '20 in difficoltà, che è costretto alle prove dopo la star (a Glenda jackson cameo) subisce un infortunio per la produzione, avete indovinato, di quello che diventerà 'The Boy Friend'. Molte delle canzoni popolari di Wilson rimangono qui, con una storia secondaria su un produttore cinematografico tra il pubblico che cerca di lanciare la prossima grande cosa, e il sostituto che inizia a innamorarsi del protagonista maschile ( Christopher Gable ) mentre aiuta ad aumentare la sua sicurezza durante le prove.

Il fidanzato è troppo lungo ma ha alcune delle scenografie e dei costumi più sorprendenti di qualsiasi musical. Poiché questo è Russell, quei progetti creano sogni ad occhi aperti anche degli artisti, non solo della produzione. È un film straordinario per il design. E Twiggy, il modello, è abbastanza naturale come la star innaturale che ha il fattore it che il produttore del film sta cercando. Russell ha detto di aver realizzato questo film come una pulizia del pallet per il tumultuoso e intromesso in studio I diavoli (vedi sotto). In quanto tale, è facile capire perché è troppo lungo, poiché Russell probabilmente aveva solo bisogno di un po 'di gioia splendente nella sua vita. I fan di La La Land troverà alcuni accenni di scenografia qui.

I diavoli (1971)

Ken Russell 'S I diavoli è meno dimenticato e più semplicemente fottutamente difficile da trovare. Viene costantemente richiesto di essere aggiunto alla Criterion Collection, ma la Warner Brothers sembra intenzionata a non rinunciare MAI ai diritti. Lo studio ha bloccato l'uscita di un Blu-ray, ha permesso a BFI di mostrarlo in Inghilterra solo se è elencato come un'esperienza educativa e la versione che io e molti appassionati di cinema abbiamo visto, negli Stati Uniti, proviene direttamente da Martin Scorsese Della propria collezione, che presta per una proiezione occasionale (solo per esaltarti). Per aumentare l'intrigo, Guillermo del Toro ha accusato WB di oltre 40 anni di censura non permettendogli mai di entrare in home video. Questo è lo studio che ha ampiamente rilasciato L'esorcista —Che includeva una scena di una ragazza pre-adolescente posseduta che pugnalava la sua vagina con un crocifisso e poi costringeva la faccia della madre nelle sue parti intime mentre brontolava, 'leccami' — appena due anni dopo. Quindi, in un'epoca in cui i cataloghi degli studi cinematografici sono ampiamente disponibili, perché questo film rimane sotto chiave?

I diavoli è incentrato su un vanitoso sacerdote ( Oliver Reed ) e la monaca gobba ( Vanessa Redgrave ) che lo desidera così profondamente che lei lo accusa di stregoneria e altre suore del convento si uniscono all'accusa perché l'accusa consente loro di comportarsi come se fossero sotto un incantesimo sessuale e quindi sono più libere di praticare i loro desideri di quanto la chiesa permetterà. È un capolavoro pazzo, come lo sono molti dei film di Russell. E quando le suore si lasciano andare, fa emergere il lato anarchico e caotico dell'autore. Questa è una delle più grandi esibizioni di Redgrave ed è un'interessante critica della religione e della soppressione del desiderio. Ora, il film è così pubblicizzato dalla sua stessa soppressione che probabilmente sembrerebbe addomesticato per gli standard odierni, il che rende il comportamento di WB ancora più strano (nel modo di pensare di WB, le presentazioni blasfeme rivolte a un bambino in possesso sono più a posto per il pubblico, ma le presentazioni blasfeme che vengono simulate da un convento non lo sono).

Nota, ci sono due scene di masturbazione che sono state tagliate dalla stampa teatrale per ricevere una breve versione X-rated sia nel Regno Unito che negli Stati Uniti, oh, ne ho vista una, e non è grafica ma è sia inquietante che oscuramente umoristica, mettendo in dubbio se tutti i cristiani praticano la loro religione per purificare il loro cuore o perché dà loro la capacità di controllare gli altri. Forse è l'ovvio desiderio di fonti cinematografiche esterne come la Criterion Collection di pubblicare quel filmato come caratteristica bonus che mantiene questo film soppresso. O forse, come Birth.Movies.Death Appunti , è solo un vecchio dirigente burbero che ha una vendetta personale contro il film e dobbiamo solo aspettare che quella persona muoia (come molti approcci all'indietro al pensiero di questi tempi) e saremo finalmente in grado di decidere da soli se possiamo gestire questo film o no. Se mai vedrai questo film elencato nelle tue liste locali per una proiezione di una notte, vai.

10 Rillington Place (1971)

Immagine tramite Columbia Pictures

All'attenzione di: Murderinos, 10 Rillington Place è un racconto di un vero serial killer dimenticato, avvincente e scomodo in cui l'uomo più abbracciabile del nostro Jurassic Park / Miracle on 34thstrada infanzia, Richard Attenborough , gasa le donne, fa sesso con i loro corpi incoscienti, le strangola, le seppellisce nel cortile e incornicia qualcun altro per questo! Qualcosa che fonda questo film, piuttosto che sensazionalizzare gli atti, è il modo in cui mostra ripetutamente come la società patriarcale (e la società che adora i veterani) consente all'assassino di operare con facilità. Si guadagna la fiducia attraverso la sua voce istruita e la sua dichiarazione di precedenti pratiche medicinali. I suoi inquilini ( John Hurt e Judy Geeson ) sono una giovane coppia molto povera con un figlio. La moglie vuole abortire perché non ha i soldi per un secondo figlio perché è analfabeta e l'unico in grado di entrare nel mondo del lavoro. John Christie (Attenborough) è il loro vicino ed è in grado di ordinare a sua moglie ( Pat Heywood ) di partire ogniqualvolta sia necessario per il suo 'lavoro' come unico prestatore stesso. È il suo record di guerra che tiene soppressi i suoi precedenti arresti. Ed è il sistema che favorisce veterinari, uomini istruiti e una forza di polizia pigra che gli consente di continuare anche dopo che i corpi sono stati scoperti.

Attenborough è nauseabondo e avvincente, Hurt è magnifico e regista Richard Fleisher ( Il fantastico viaggio ) prende bene il realismo del lavello della cucina britannico dopo che Hollywood lo ha scartato dopo alcuni flop in studio. La tristezza nella postura di Attenborough quando versa un tè avvelenato che non sarà in grado di usare per stupro e omicidio perché gli idraulici sono arrivati ​​è una così bella attenzione alla quantità di controllo che quest'uomo è abituato ad avere all'interno della sua casa.

Il pubblico non era così abituato ai film serial killer nel 1971 come lo è ora, quindi iniziare il film con un attore amato che trascina una donna priva di sensi a terra per farsi strada con lei, è stato scioccante nel 1971, quindi avrebbe senso che Fleisher si concentrerebbe su due atti grizzly e sull'errore della giustizia e non costringerebbe il pubblico a sopportare più omicidi dalla storia vera. Ma ora che abbiamo un'ossessione per i serial killer nei film / tv, quegli ultimi 10 minuti di giustizia fallita potrebbero essere il loro film; come questo mostro è continuato e perché il Regno Unito ha abolito la pena di morte per questo motivo. Tuttavia, anche se alla fine c'è una corsa attraverso un processo, questo è sapientemente ritmato, nauseabondo e ben eseguito.

Wake in Fright (1971)

Immagine tramite United Artists

Australia Wake in Fright è il più artistico postumi della sbornia -Film in stile e il mio incubo personale: essere circondato da un'orda di uomini degenerati che bevono, giocano d'azzardo, combattono, licenziano le donne e sparano agli animali per sport, senza possibilità di lasciarli indietro. Gary Bond è un'insegnante che fa una brutta scommessa e viene abbandonata in una città piena di uomini ubriachi e violenti (guidati da Donald Pleasance ) che tentano di costringerlo ad essere altrettanto ubriaco e violento come loro.

Questa storia di maltrattamenti maschili è più spaventosa di Liberazione perché questi uomini sono più identificabili e il desiderio di dominare sessualmente altri uomini è accennato piuttosto che mostrato apertamente. La distesa arancione del deserto è meravigliosamente illuminata. Ma attenzione, la caccia al canguro è vomitosa, sembra reale perché regista Ted Kotcheff ha usato filmati reali che aveva trovato; questo era per confrontarsi con il suo pubblico, con la crescente caccia illegale di canguri che si verificano per lo sport virile, ed era parte integrante di un aumento dei regolamenti, ma 40 anni dopo senza quella consapevolezza del tempo, è incredibilmente difficile da guardare, quindi sapere che in anticipo non è solo necessario avvertimento ma anche necessario conoscere i motivi per cui è stato inserito in primo luogo. E i tratti negativi degli uomini in gruppi che fanno le scelte peggiori più e più volte sono senza tempo. Sebbene ci provi in ​​molti modi, l'insegnante sembra non riuscire a lasciarli indietro; è come se fosse in un globo di sabbia.

Kotcheff è noto soprattutto per aver diretto il primo Rambo film, Primo sangue , ma avrebbe intorpidito questi temi di fratellanza per i film sui party americani come North Dallas Forty e Fine settimana da Bernie's (!!). Anche se gli uomini in Bernie Sono in giro con un ragazzo morto, preferirei di gran lunga prenderlo a calci con quei tizi piuttosto che con questi mostri.

Piccoli omicidi (1971)

Mi è stato presentato Piccoli omicidi , una satira esilarante sulla febbre del matrimonio, attraverso un amico che si stava per sposare. Voleva che la persona che sovrintendeva ai suoi voti guardasse il video Donald Sutherland Il pastore mentre offre una presentazione di matrimonio su come 'il business del matrimonio' meriti 'un abbandono del rituale nella ricerca della verità'. Gli argomenti di cui parla Sutherland nel frattempo Elliott Gould e Marcia Rodd attendono di sposarsi quanti dei matrimoni che ha presieduto si sono conclusi con un divorzio e le molte ragioni per cui hanno avuto luogo quei matrimoni falliti; masturbazione, droghe, disinteresse. È davvero un'analisi affascinante, esilarante e sì veritiera dei rituali e del matrimonio e di come la ragione per sposarsi di tutti sia 'a posto' e lo sono anche le loro decisioni di andarsene, perché per quanto ci piace guardare al matrimonio come una fusione di due identità, questa è la versione non veritiera.

nuovi film in uscita l'anno prossimo

Guarda il monologo Qui e se sei d'accordo che questo è un discorso piuttosto divertente, dai Alan Arkin Il debutto alla regia di un giro. È pieno di arguzia, immensamente intelligente, anche se ci vuole una strana deviazione per il terzo atto, è uno dei film più divertenti di un decennio che si stava spostando dagli oscillanti anni '60 a rituali senza tempo. Per quanto riguarda gli omicidi? Come molti film in questa lista, è una capsula del tempo degli anni '70 estremamente pericolosi e sudici di New York. E per quanto riguarda la futura moglie che mi ha fatto conoscere il film? È ancora sposata e sta dando gli ultimi ritocchi a una Hal Ashby documentario dovrebbe iniziare la proiezione nel 2017. E per chiunque legga questo elenco, è d'obbligo cercarlo, perché Ashby è forse il maggiore autore degli anni '70 più dimenticato.

Minnie e Moskowitz (1971)

Minnie e Moskowitz potrebbe facilmente essere ribattezzato 'Uomini che urlano contro Gena Rowlands Perché dovrebbero essere un oggetto ”. Ma con John Cassavetes sceneggiatura, le urla sono divertenti. Reperto A, Zelmo Swift ( Val Avery ), un ragazzo ricco dal nome buffo che è 'terrorizzato dalle donne' e un pessimo conversatore di appuntamenti ma puro oro del cinema per l'appuntamento infernale che continua a parlare del suo aspetto e di quanto sia 'fantastica' senza mai permetterle di parlare . Reperto B, il cameriere selvaggiamente baffuto, Seymour Moskowitz ( Seymour Cassel , Jason Schwartzman È il papà di Rushmore ). Moskowitz salva Minnie dalla fine di quella data e poi cerca immediatamente di portarla fuori a un appuntamento con hot dog. A differenza di Zelmo, lui le fa delle domande ma Minnie risponde a malapena.

Minnie e Moskowitz presenta i suoi due personaggi principali mentre hanno una conversazione separata sul cinema. In definitiva, questa è una visione della loro visione del mondo. Seymour vede i film come una via di fuga e Minnie li vede come una falsa speranza ('Ti hanno incastrato. E non importa quanto sei intelligente, ci credi ancora'). Cassavetes segue la formula dell'incontro carino / cavaliere in armatura splendente di una storia d'amore da film, ma invece ha 'il premio' essere una donna che si è arresa e vicina al coma per la preoccupazione di qualsiasi sentimento emotivo. Minnie rappresenta quanto può essere brutto il mondo e quanto possono diventare tristi i film per dare speranza e Seymour rappresenta quanto può diventare vivo il banale con la semplice mentalità di cercare intrattenimento. Uno ha successo; l'altro è un gradino sopra un barbone (ma è anche gentile con i barboni e un tipo meschino con le persone di successo). La ricerca di Seymour non è esattamente romantica, ma il romanticismo sembra possibile tra loro e questo è il viaggio di questo film: presentare la possibilità del romanticismo invece della versione cinematografica in cui il romanticismo è sigillato dai titoli di coda.

Immagini (1972)

Robert Altman La claustrofobica storia di una donna che impazzisce è stata resa un disservizio dai critici cinematografici nel 1972 e sostanzialmente ha soffocato la sua ampia diffusione. Susannah york quell'anno vinse la migliore attrice al festival di Cannes, ma i maggiori giornali di New York si rifiutarono di coprirlo e le poche recensioni del New York Film Festival ne annullarono le possibilità di ulteriore distribuzione. È strano pensare con quanta freddezza i critici abbiano accolto il film di Altman, ma lui l'aveva appena fatto MISCUGLIO e McCabe e la signora Miller , due capolavori narrativi coinvolgenti e diretti e immagini probabilmente all'epoca sembrava un disastro. Ma guardandolo ora, dopo che molte di noi hanno visto altri film di donne squilibrate, come Serata di Apertura, Mulholland Drive, Black Swan, Queen of Earth e molti altri, è un orologio piuttosto naturale e perfettamente eseguito da York, Altman e il direttore della fotografia, Vilmos Zsigmond .

Essenzialmente, immagini è una rivisitazione visiva di Ingmar Bergman 'S Persona . Nel film di Bergman, un'infermiera confessa un evento sessuale a un paziente muto e poi sente che quel paziente ha potere su di lei perché conosce il suo segreto più oscuro. Ma considerando Persona ha usato un lungo monologo per quella confessione, immagini usa, hai indovinato, immagini.

Nel immagini , è una donna sposata che sa di aver tradito suo marito; il primo uomo con cui ha tradito è morto in un incidente aereo, e ora la sta perseguitando nella loro casa estiva di caccia. Un uomo che vive nelle vicinanze sente il suo danno e pensa che stia inviando segnali di fantasia di stupro, quindi la visita mentre suo marito caccia. Il suo ritiro estivo è una casa infestata di insulti e desideri sessuali maschili (sia da morti che mortali). Pensa di ucciderli tutti, ma quale uomo ha effettivamente ucciso?

Questo è uno degli esercizi più sorprendenti di Altman per quanto riguarda l'umore e il lavoro di macchina da presa (è anche una delle colonne sonore più strane ed emozionanti di John Williams , pieno di nervi contorti). Presenti teste di cervo, narrazione sussurrata, assi di pianoforte, movimento della telecamera che mostra un omicidio nella sua mente e poi può rivelare la verità nella stessa cornice, sì, immagini ha ricevuto a malapena un rilascio, ma puoi vedere la sua influenza sui futuri registi come la macchia di sangue di un cadavere trascinato dalla cucina.

Sounder (1972)

Martin Ritt L'adattamento del romanzo simbolico per giovani adulti di William H. Armstrong potrebbe davvero usare un rimasterizzazione. Allo stato attuale, ha l'aspetto e il suono di un vecchio adattamento televisivo, ma non lasciatevi scartare il film. Sounder è un film potente sulla linea sottile che una famiglia nera deve percorrere per avere successo nella società. Dopo un'altra caccia senza successo, un padre ( Paul Winfield ) ruba del prosciutto per i suoi figli e viene incarcerato e inviato a una banda di catene e sua moglie ( Cicely Tyson ) e il figlio maggiore ( Kevin Hooks ) sentono ripetutamente dal negoziante, dallo sceriffo e dalle donne del posto che inviano loro il bucato, come sono 'usciti su un arto' per loro come famiglia. È straziante vedere come i Morgan vengono trattati come se dovessero provare vergogna nel loro lavoro perché è un privilegio percepito per loro lavorare e quindi il desiderio di gratitudine della città si trasforma ora in un desiderio di scambio in disgrazia .

Tyson mostra una forza duratura per essere giudicata solo dal suo lavoro, non fa prediche nel ruolo di matriarca e Sounder è tranquillamente femminista mentre cerca di instillare il proprio onore separato, al di fuori del nucleo familiare. Hooks alla fine scappa con il suo cane fidato per individuare in quale banda si trova suo padre. Si imbatte in una scuola con un insegnante che non lo giudica dal crimine di suo padre e gli offre assistenza per imparare a leggere. Ciò che rende Sounder un adattamento riuscito di un libro amato è l'uso del suono da parte di Ritt, la sua fiducia negli artisti per eseguire il non detto e per lasciare la tesi del libro non dichiarata mai in modo definitivo, ma invece si rivela al pubblico con sottigliezza. Sounder è un adattamento molto adulto di un popolare libro per bambini, gestito con grazia e dignità.

Heavy Traffic (1973)

Ralph Bakshi 'S ( Il Signore degli Anelli ) i film d'animazione non magici sono difficili da guardare e da consigliare, ma sono anche una visione essenziale per chiunque sia interessato a vedere la New York degli anni '70 dal bidone della spazzatura. Fritz the Cat pervertito il movimento contro-cultura e Coonskin è un brutto sguardo al razzismo urbano, per esempio. Traffico pesante è il suo film più personale, su un giovane fumettista che vaga per le strade di New York come un modo per uscire dalla sua famiglia violenta, e come tale non sembra che stia cercando di provocare o intimidire, ma piuttosto confessare di aver visto un sacco di merda dura ai suoi tempi, ma in qualche modo ha vissuto ancora per vedere molti giorni. Ma alla fine del tunnel, pieno di prostitute, spogliarelliste, cappucci e barboni, ama la sua città natale. È la città che non dorme mai perché c'è così tanto stimolo squallido. Considerati avvertito, i suoi film non hanno spazio per la sensibilità, piuttosto sono una prova di resistenza. Proprio come vede la sua città e la sua vita domestica.

Traffico pesante è un sogno febbrile, un Dante degli anni '70 Inferno e guardarlo significa aggiungere ulteriore contesto all'osservanza di Travis Bickel in Tassista che qualcuno potesse essere così stimolato da piaceri a buon mercato da richiedere 'una vera pioggia per scendere e lavare tutta questa feccia dalle strade'. In effetti, quando Martin Scorsese stava sparando Tassista hanno dovuto interrompere la produzione per un breve periodo quando una protesta contro Bakshi's Coonskin ha provocato l'esplosione di una bomba fumogena nelle strade fuori dal teatro. Scorsese ha inviato il filmato a Bakshi che ha detto che 'non sapeva se ridere o piangere'. Da qualche parte Traffico pesante risiede il cuore pulsante di un artista che crede che ridendo mentre piangere è l'unico modo per lavare via davvero le cose.

Torso (1973)

Immagine tramite Interfilm

Torso è uno slasher italiano che stabilisce la maggior parte delle regole che sarebbero state stabilite in seguito per gli slashers americani. Lo sguardo malizioso maschile rende tutti sospetti quando i corpi studenteschi iniziano ad accumularsi e sono gli esseri sessuali liberi che vengono uccisi uno per uno. C'è così tanta nudità nella parte iniziale che Sergio Martino Il film si avvicina alla misoginia, ma il maestro del giallo regala una ricompensa fantastica. Ma alla fine, dopo aver ascoltato tutte le conversazioni in città che gli uomini della classe operaia hanno sulle studentesse che hanno affittato una villa per nascondersi dall'assassino che sta facendo a pezzi le donne alle feste fuori dal campus, l'ossessione dell'assassino per le parti di bambole inizia ad avere un senso nel modo in cui vengono utilizzati i corpi femminili.

Il suo movente è sciocco, ma la virilità di un uomo adulto è stata stentata in un momento giovanile in cui chiedeva di giocare a un gioco di Ti mostrerò il mio se mi mostri il tuo, che è ostacolato da qualcosa di tragico che accade con una bambola. E nel campus del college, al bordello dell'amore gratuito, e nella pittoresca villa, quando si verificano ampie nudità, sono le donne che si occupano dei loro corpi: collaborano volentieri con un amante sul sedile posteriore di un'auto, ballano svestiti in un nenia hippie, sdraiati nudi su un divano permettendo agli uomini di accarezzarsi il seno mentre fumano una sigaretta, ma dicendo loro di smetterla quando cercano di andare oltre e, più sfacciatamente, quando sono soli, prendono il sole nudi in cima alla villa. E poi all'improvviso, quando l'assassino arriva alla villa, Martino capovolge il film e ci offre lo scenario definitivo della ragazza finale prima che l'ultima ragazza diventasse un tropo.

In ogni caso di nudità, le donne hanno il controllo del proprio corpo. È malizioso, e sì, la scena lesbica sembra più come un produttore che dice di darne uno al pubblico, ma alla fine, penso che l'eccessiva nudità sia martellata come se avesse un punto. Le bambole sono qualcosa con cui i ragazzi non possono giocare a meno che il proprietario della ragazza non dia il permesso. E spesso non è così. La nudità sdraiata ha più a che fare con l'immobilità dei loro corpi adulti in uno stato naturale, ridotti a parti di bambole se un uomo li vede in una tale posa. (L'ultima parte del dialogo degli uomini in città è che quelle belle donne non parlerebbero nemmeno con loro perché non sono istruite; ancora una volta, un modo in cui le donne hanno più libertà durante un'era in cui il sesso pre-matrimoniale è la nuova normalità ma i ruoli delle donne nelle attività romantiche ed educative stanno cambiando di pari passo, dando loro più libertà d'azione).

Ma sono gli ultimi 30 minuti che fanno Torso un grande giallo di tutti i tempi. Gli omicidi iniziano a verificarsi fuori dallo schermo mentre l'assassino insegue la villa, quindi invece di scene omicide che creano tensione, è una sequenza prolungata in cui ogni cigolio dell'asse del pavimento, ogni presa dell'avvocato di legno, riceve un peso immenso. È una delle sezioni più intense e prolungate di un film horror che abbia mai visto. E sebbene lo scenario di Final Girl sia diverso dalle regole future, Martino ha enormi assi nella manica per disorientare lo spettatore.

The Iron Rose (1973)

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Jean Rollin 'S La rosa di ferro è L'angelo sterminatore di film di lussuria morbosa; due giovani bellezze vanno in un cimitero e non riescono a trovare la via d'uscita. È una metafora del matrimonio? Può essere.

Due sconosciuti francesi ( Francoise Pascal e Hugues Quester ) si incontrano dopo aver recitato una macabra poesia a un matrimonio. Il ragazzo chiede di uscire, la ragazza dice di sì, quindi prende a pugni un albero per l'eccitazione. Si incontrano al cantiere del treno la mattina dopo e si inseguono di locomotiva in locomotiva. È carino. Suggerisce del vino ma la ragazza non sa che vuole che questo picnic sia in un cimitero perché è tranquillo. Contro le sue riserve di posizione finiscono per agganciarsi in una cripta, ovviamente, ma dopo che la loro sessione d'amore dura la durata di un'intera candela emergono nell'oscurità, iniziano a litigare e insultarsi l'un l'altro finché non prende a calci una croce di ferro, si sdraia su una tomba e forse diventa posseduta. Tuttavia, anche se sta dicendo cose folli sul Giorno della Morte e gattona a quattro zampe, il ragazzo continuerà a pomiciare con la ragazza sopra i crani e i femori se lo desidera.

La trappola è la sessualità e il modo in cui gli uomini costringono le donne da un divertimento spensierato a situazioni in cui preferirebbero non trovarsi. Questo potrebbe essere un film metafora o potrebbe essere solo un economico in un unico luogo. Penso che siano entrambe le cose. L'umore macabro di Rollins e i maglioni ketchup e senape conferiscono a questo un po 'di a Scooby Doo vibe (scollatura pesante a parte). Con una bella partitura, vorresti che l'orrore incontrasse più spesso simpatici viaggi della morte.

Belladonna of Sadness (1973)

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In questa animata fantasia pop psichedelica di diabolico sovraccarico sensoriale, un malvagio signore feudale assalta una ragazza del villaggio durante la sua prima notte di nozze e procede a rovinare la sua vita e quella di suo marito. Dopo essere stata finalmente bandita dal suo villaggio, la ragazza fa un patto con il diavolo per acquisire abilità magiche e vendicarsi di tutti. Belladonna of Sadness è ugualmente bello e grottesco ed è stato estremamente influente per i registi giapponesi alternativi di animazione per adulti, come Satashi Kon e Mamoru Oshii, a venire. Cosa fa Belladonna unico, è che ci vuole qualcosa che avrebbe potuto essere un semplice spettacolo dell'orrore medievale e strofina l'oscurità per lasciare spazio all'estasi, il che rende i momenti di oppressione più taglienti e le rimostranze molto più di un sollievo. È davvero qualcosa che il Diavolo suscita più simpatia degli uomini mortali, ma è perché almeno comprende i suoi desideri e il suo desiderio di vendetta. La comprensione è qualcosa che gli uomini non possono permettersi Belladonna of Sadness.

È difficile descrivere questa orgia di eccessi senza sembrare rozzo, quindi userò semplicemente i titoli delle canzoni di Acid Mother's Temple per concludere questo blurb, poiché l'acquerello psichedelico e il rock psichedelico sono i lunghi capelli fluenti di questa narrazione; i pastelli che resistono all'oscurità come:

'Hello Good Child'

'Sweet Juicy Lucy'

'Terzo occhio del mondo intero'

'Interplanetary Love'

'Pink Lady Lemonade'

'Arrivederci, grande stronzo'

Sì, questo lo riassume meglio di quanto 'lontano fuori' potrebbe.

Blood for Dracula (1974)

Il conte Dracula è sempre stato un po 'un seduttore, ma Paul Morrissey (e produttore Andy Warhol ) ci ha regalato un Dracula esilarante e impotente ( Udo Kier ) nel Sangue per Dracula . Il corpo di questo Dracula sta diventando incredibilmente debole perché, dopo secoli passati a nutrirsi di colli vergini, è diventato sempre più difficile trovare donne vergini da cui bere. Il suo assistente suggerisce di andare in Italia, dove le famiglie hanno ancora valori cattolici fedeli e quindi le donne saranno pure. Il dio del sesso di Warhol Joe Dallesandro (sempre le caramelle, mai l'attore; brandisce un forte accento di Brooklyn in Transilvania) si è preso la responsabilità di prendere la verginità di ogni donna della campagna italiana per far morire di fame Dracula. Sangue per Dracula dà un significato diverso a un paletto di legno che trafigge il cuore di Dracula. Qui, la legna mattutina sta letteralmente uccidendo il Conte.

Sebbene sia facile ridere di un seduttore impotente, c'è una certa tristezza nella performance di Kier; con l'aumento delle libertà sessuali perdiamo la società classica e il Dracula di Kier è una rappresentazione fisica di quella lenta morte. Questo è un uomo che potrebbe vivere per sempre fintanto che ha vissuto in un'era di purezza. Per secoli, Dracula è stato uno stregone della sessualità e gli uomini hanno dovuto dargli la caccia e impalarlo fisicamente per proteggere le loro donne pure. Ora qualsiasi uomo con addominali scolpiti può farsi strada attraverso la città e indebolire i suoi poteri.

Celine e Julie vanno in barca (1974)

Jacques Rivette Sono tre ore (più!) Colosso d'essai, Celine e Julie vanno in barca è due cose per me, è il film più realisticamente onirico che abbia mai visto (compreso l'accumulo di disintegrazione fino al grande finale) e anche la migliore rappresentazione del sogno lucido (dove il sognatore può influenzare il sogno per avere un risultato che vogliono, perché sono consapevoli che stanno sognando).

Celine ( Juliet Berto ) e Julie ( Dominique Labourier ) sono due donne che si legano nell'azione e le loro identità si fondono. Se uno legge un libro sulla magia, l'altro è un mago. Se uno sottolinea i passaggi del libro con inchiostro rosso, l'altro dipinge in rosso. Dopo una serie di molti oggetti e azioni collegati, le giovani donne si ritrovano in un misterioso omicidio di lesbiche fantasma che gioca in loop. Una casa con un padre in lutto è bloccata in un limbo dove le sue figliastre rievocano quotidianamente un omicidio. Celine e Julie lo sperimentano in primo piano e, come facciamo nei sogni quando siamo consapevoli di non prendere parte a ciò che stiamo vedendo, iniziano a testare come saranno notati o cosa possono farla franca nel presenza di questa scena.

Ciò che accade è curioso, divertente e delizioso. Ma cosa aiuta Celine e Julie per mantenere l'atmosfera onirica è che lo spettatore dimentica così tanto della configurazione in codice una volta che sono in casa. Proprio come un sogno, ti rimangono solo i frammenti a cui ti aggrappi e cerchi di spiegare.

Partitura (1974)

Sì, questo è X-rated, la trama è piuttosto spoglia e c'è una scena di ragazza su ragazza strap-on e una scena di pompino uomo su uomo, ma ti sfido a trovare un film che sia più a suo agio con le gioie della vita di Radley Metzger 'S Punto . Il film parla di una coppia sposata scambista ( Claire Wilbur e Casey Donovan ) in cerca di preda per sedurre una coppia di sposi puri per uno scambio notturno di partner dello stesso sesso. Anche se tu stesso sei pudico, c'è molto da apprezzare nelle capacità di regia di Metzger. Il punteggio è vivace e vivo. Le prestazioni sono solide. E la sua composizione fuori scena è rivelatrice. Metzger era un regista fantastico che non era bloccato nel soft-core, ma piuttosto sapeva che il soft-core poteva essere una forma d'arte. La maggior parte dei ritratti appesi nei musei per decenni erano nudi. Perché il film non dovrebbe presentarlo anche ad arte? Il sesso e la vergogna potrebbero essere incorporati nella religione, ma non dovrebbero essere incorporati nella nostra arte.

Punto non è pensato per un avanzamento veloce di dieci minuti verso 'le parti buone' perché la seduzione e le conversazioni sono in realtà le parti migliori. È un bel film di 90 minuti che presenta conversazioni intelligenti e spiritose sul sesso. Alcune di queste conversazioni avvengono mentre due donne parlano tra un acquario con lampada lava perché le conversazioni sui film dovrebbero sempre essere piacevoli alla vista. Cosa c'è di veramente divertente Punto , tuttavia, è quanto sia inclusivo. Ogni personaggio lavora per togliersi l'altro e tutti sorridono e il punteggio è fantastico. Non lasciare che la frase introduttiva ti spaventi; questo film non è molto esplicito. Se riesci a sopportare di sentire persone che parlano molto di sesso e matrimonio all'interno di un grazioso appartamento in stile anni '70 nella villa italiana, e poi fai qualche minuto di sesso, sei davvero pronto per una sorpresa. Sorriderai pensando a questo film. Spererai di incontrare qualcuno così entusiasta di essere vivo come la nuova coppia repressa ( Lynn Lowry e Gerald Grant ) sono mentre lasciano la villa per convertire qualcun altro ai loro nuovi modi di pensare liberi. Il sesso può essere divertente. La ricerca può essere divertente. E Punto è così dannatamente divertente che non c'è niente di cui potresti sentirti in colpa nel guardarlo.

Tempi duri (1975)

Tempi duri offre una riorganizzazione neo-occidentale del racconto standard della Grande Depressione e della boxe. Non c'è nessuna ragazza da ottenere entro la fine, non c'è un grande premio per mettere tutto a posto; c'è solo qualche graffio in più e rispetto guadagnato. Questo è il regista di culto Walter Hill 'S ( I guerrieri ) primo film ed è molto sicuro. Lo presenta come un classico racconto alto dello straniero fuori dal vagone merci ( Charles Bronson ) che può battere ogni uomo in un combattimento leale, ma rivela lentamente che non c'è molto da vincere.

A questo punto Bronson era già stato riorganizzato come una star della vendetta grindhouse, e ci si aspetta che questo film sia simile, ma Hill è più interessato al lato economico delle lotte illegali; come si rinnova la fiducia guadagnando il letterale rimborso in denaro e non attraverso violente retribuzioni. A Bronson, Hill dà 'Speed' (un grande, burrascoso James Coburn ), un promotore che di solito usa la sua bocca bugiarda per uscire dal debutto, un nuovo metodo per onorare se stesso: rimanere fedele alla sua parola attraverso un lavoro ingrato.