I migliori film cyberpunk da guardare per il 30 ° anniversario di Akira

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Da 'The Matrix' a 'RoboCop', questi sono i migliori film distopici tecnologici di fantascienza del prossimo futuro.

Buon Natale, è Akira 30 ° anniversario! E l'influente film anime, uscito nei cinema statunitensi il 25 dicembre 1989, ha tutto ciò di cui hai bisogno per guardare le festività natalizie: bande viziose, poteri telecinetici, lo sradicamento della società civile, bambini psichici con facce orribilmente anziane, una visione distopica di come la tecnologia farà. ci consuma tutti, un cattivo visceralmente disgustoso che consuma e assorbe tutto sul suo cammino, e una delle colonne sonore più spaventose mai composte. Uh ... forse non è tanto una vita meravigliosa?

Akira è un capolavoro da afferrare il petto, un film esplosivo che ha aiutato a introdurre manga e anime in prima linea culturale occidentale e ha influenzato progetti tanto diversi quanto Parco Sud , Stranger Things , e Kanye West È 'Stronger'. Ha anche fornito una panoramica ampia e divertente del sottogenere della fantascienza noto come cyberpunk. Definito ed esplorato per la prima volta da importanti autori di fantascienza come Philip K. Dick , Harlan Ellison , e William Gibson , le opere cyberpunk tendono a rappresentare una società distopica del prossimo futuro che è paradossalmente sventrata e devoluta grazie all'espansione e all'evoluzione della tecnologia. I corpi umani e le approssimazioni cibernetiche si mescolano, protagonisti dagli occhi annebbiati si fanno strada attraverso conflitti dalle sfumature noir, e la fredda carne d'acciaio dell'industria, dai robot ai grattacieli, si protende in ogni aspetto della vita, il tutto sfumato con l'iconoclasta, spirito ribelle del punk. Sembra dannatamente cinematografico, no?

Quindi, in onore di Akira Il trentesimo anniversario e un mondo che si sente sempre più cyberpunk ogni minuto, ecco alcuni dei migliori film cyberpunk da guardare, divertirti e convincerti ulteriormente a eliminare tutti i tuoi account sui social media e vivere fuori dalla griglia.

Blade Runner

Immagine tramite Warner Bros.

Se chiedi al tuo cervello di evocare un'immagine di 'cyberpunk', probabilmente produrrà qualcosa di vicino all'incredibile estetica presente in Ridley Scott 'S Blade Runner , un classico di culto ingiustamente sminuzzato e diffamato al momento della sua uscita iniziale, che è cresciuto sempre di più in statura e influenza con il passare degli anni. Harrison Ford interpreta Rick Deckard, un poliziotto stanco e logoro incaricato di trovare un gruppo di replicanti disonesti (cyborg), tra cui l'iconico Rutger Hauer e Daryl Hannah . Le specifiche del caso, in una narrazione basata su Philip K. Dick Gli androidi sognano pecore elettriche? , mi sento in debito con il noir - dalla performance di Ford Bogart-on-downers a Sean Young L'interesse amoroso motivato in modo ambiguo. Ma Scott, insieme a DP Jordan Cronenweth e scenografo Lawrence G. Paull , ha catapultato questi soliti tropi di genere in un neo-futuro elegantemente deprimente, tutti temporali e grattacieli e immagini che vivono sul confine misterioso tra familiarità e shock.

tutti i personaggi della squadra suicida

Il film ha molto da dire sull'ambiguità dell'identità umana in un mondo sempre più disumano, dalla convinzione di Young di essere umana anche se è una replicante, al discorso appassionato (e improvvisato!) Di Hauer sui suoi falsi ricordi che svaniscono come lacrime nel pioggia, per la timidezza con cui Scott interpreta la verità dell'umanità del suo protagonista (o della sua mancanza). Tutto questo, combinato con il ritmo paziente del film, lo fa sembrare una calda scodella di zuppa di filo metallico, dove i confini, le etichette e le risposte alle domande significano meno che abbandonarsi alle trame allettanti di una singolarità elegante. Inoltre: Shout-out al suo seguito molto, molto buono, il Denis Villeneuve -dirette Blade Runner 2049 .

RoboCop (1987)

Immagine tramite Orion Pictures

Cosa succede se ci abbandoniamo completamente alla tecnologia? Se decidessimo di esserci stancati dei nostri corpi interamente umani e di voler ascendere nel confortevole e duro recinto di un robot? Saremmo al capriccio dei nostri programmatori? Esisteremmo ancora 'noi'? Qualche residuo delle nostre vite passate sarebbe presente da qualche parte nell'intreccio intrinsecamente non umano di codici, cavi e programmi di intelligenza artificiale? Paul Verhoeven Capolavoro degli anni '80 RoboCop si tuffa nelle erbacce di molte di queste domande e fa in modo che il suo pubblico le faccia i conti instillando una componente chiave, molto verhoeveniana: è divertente AF.

legge di milo murphy e phineas e ferb

Il film, su un poliziotto umano ( Peter Welker ) che viene brutalmente attaccato da un gruppo di teppisti (guidati da Kurtwood Smith ) e 'collocato' all'interno di un RoboCop come parte del metodo futuro di lotta al crimine di Detroit, è pieno di sequenze d'azione, battute di battuta piacevoli ed effetti gore di genere. Ma Verhoeven usa con nausea tutti questi come piacevoli cavalli di Troia per una satira altrettanto sciocca / selvaggia sulla corporatizzazione, il capitalismo, il consumismo, la militarizzazione, gli stati di polizia, gli orrori del progresso tecnologico e le ambiguità delle identità umane. Il fatto che Verhoeven sia riuscito a introdurre un film così ampiamente critico in un mercato saturo di agiografie di tutte le cose RoboCop sta criticando (questi sono gli anni '80 di Reagan, ricorda) mentre riuscire a renderlo un successo al botteghino che ha scatenato un franchise redditizio è decisamente notevole (e, nel caso della serie animata per bambini che ha ispirato, un po 'ironicamente deprimente) .

Se hai visto il film 10 volte prima, dagli un undicesimo orologio e presta attenzione a quanto sia sensibile il ritratto del viaggio di RoboCop attraverso il suo passato umano.

Tetsuo: The Iron Man

Immagine tramite Manga Entertainment

Tetsuo: The Iron Man è un fottuto orologio. È un incubo sperimentale, in bianco e nero in dialogo con classici cult simili come Eraserhead e Generato . È meno interessato a una narrativa fantascientifica appetibile che a un'esplorazione spietata dell'umore. E lo 'stato d'animo', per gentile concessione del noto cineasta giapponese di culto Shinya Tsukamoto , è 'desolante'. La narrativa cyberpunk è interessata alla fusione di esseri umani con miglioramenti cibernetici. Tetsuo: The Iron Man prende quell'impulso e lo catapulta ai suoi estremi cristallizzati, strappando via tutte le altre parti al puro scopo di 'uomo più metallo'. L ''uomo' di questa equazione, interpretato con ipnotica ossessione dal regista del film, vede i pezzi di metallo come violenti oggetti fetish che meritano il più pieno dei nostri elogi e della nostra fusione possibile - la sua primissima azione nel film è aprire il suo propria gamba e infilarci dentro un pezzo di metallo. Ma quando un salaryman (la parola giapponese per 'colletto bianco') ha interpretato Tomorowo Taguchi inizia letteralmente a far germogliare il metallo come il culmine dei suoi sogni violenti e delle fantasie che sfocano la realtà, i due si affrontano in modo implacabilmente nichilista.

Tetsuo: The Iron Man è pieno zeppo di immagini sconvolgenti, in particolare quando il titolare Iron Man e la sua fidanzata completamente umana ( Kei Fujiwara ) tentano di accoppiarsi anche se è, sai, un Iron Man. Ma non è uno shock per l'amor dello shock: Tsukamoto ha molto per la testa, e ogni aspetto del suo sogno febbrile, dai tristi effetti di trucco fatti a mano alla macchinosa fotocamera da 16 mm, parla al servizio della sua affermazione di tesi finale: La fusione della tecnologia e la razza umana ci distruggerà totalmente. Quindi, um ... assicurati di essere dell'umore giusto prima di lanciarti addosso questa ventosa.

Total Recall (1990)

Immagine tramite Tristar Pictures

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Molte opere di narrativa cyberpunk sono interessate alla flessione e alla rottura della realtà. I personaggi di questi incubi tecnologici - sia umani che cyborg allo stesso modo - vengono fatti passare attraverso anelli psicologici e fisiologici, dove la loro comprensione più fondamentale di cose come 'vita', 'memoria' ed 'esistenza' viene stimolata e stimolata fino a renderla insignificante. Richiamo totale - un altro banger di Paul Verhoeven - esplora tutto questo e molto altro, essendo anche miracolosamente un ultraviolento diabolicamente divertente Arnold Schwarzenegger immagine. Basato, ancora una volta, su un racconto di Philip K. Dick (il racconto 'Possiamo ricordarlo per te all'ingrosso'), il film segue Schwarzenegger nei panni di un operaio edile alla disperata ricerca di una vacanza. Ma nel mondo pazzo del 2084, non si sta solo prendendo una vacanza - ne ha una impiantata nel cervello. Può fare tutto ciò che vuole mentre non si muove una volta, grazie alla procedura di Rekall di trapiantare ricordi ed esperienze come se fossero realmente accaduti. Ma quando le cose vanno storte e Schwarzenegger viene gettato in una serie di sensazioni molto reali di imbrogli di spionaggio su Marte (!), Tutte le scommesse sulla realtà vanno fuori dalla finestra.

Ricco di effetti speciali nodosi e pratici (guidati da superstar Rob Bottin ), qualsiasi ancoraggio a un mondo reale viene visceralmente gettato via a favore di taxi guidati da amichevoli non umani, strane creature che crescono dalla pancia, e in uno dei momenti di effetti speciali più strani / più grandi mai dedicati alla celluloide, Schwarzenegger stesso emerge in il travestimento cibernetico di una donna umana diversa e schietta. La narrativa cyberpunk è spesso interessata alla dicotomia e al collasso visivo tra il corpo e il cervello: qui, Verhoeven si tuffa in un cervello per picchiarci nel corpo, il tutto per mostrare che il futuro sta arrivando intrinsecamente preso a pugni.

Ghost in the Shell (1995)

Immagine tramite Manga Entertainment

Se Akira era l'ipotesi che il pubblico occidentale sarebbe stato interessato alle esplorazioni anime di temi cyberpunk selvaggi, Fantasma nella conchiglia era l'affermazione. Rilasciato in Giappone nel 1995, e poi su VHS un anno dopo negli Stati Uniti, il film è entrato nella coscienza (o è quella cyber-coscienza?) Di ogni appassionato di film che l'ha visto, servendo come uno dei più fiorenti mercato dell'home video. entusiasti successi cult. Tuttavia, il film in sé è tutt'altro che 'desideroso'. Direttore Mamoru Oshii (controllato dal nome da accoliti cyberpunk come il Wachowski e James Cameron ) ha uno stile palesemente strano. Nonostante sia tecnicamente un film d'azione di fantascienza su un cyber-poliziotto su un caso, Fantasma nella conchiglia è in gran parte un affare tranquillo, con molte delle migliori scene che si svolgono in conversazioni lunghe e fisse in cui le animazioni sbalorditive di Oshii controintuitivamente non fanno molto.

Eppure, non puoi fare a meno di innamorarti delle conversazioni meditative e filosofiche del film, spruzzate amorevolmente su alcune battute di 'poliziotti che si conoscono a vicenda durante un appostamento' (in altre parole, Fantasma nella conchiglia stava facendo Vero detective prima che fosse un luccichio Nic Pizzolatto Occhio). Questo non vuol dire Fantasma nella conchiglia non è interessata all'azione - quando il maggiore Motoko Kusanagi ha bisogno di calci in culo, lo fa con abilità e aplomb sbalorditivi. Ghost in the Shell è un lavoro intelligente, influente ed essenziale, molto più interessato alle domande su 'chi è il maggiore' che su 'cosa risolve il maggiore'. Come post scriptum cyberpunk che imita la vita, Oshii alla fine ha rilasciato Ghost in the Shell 2.0 nel 2008. Questa versione del film è apparentemente aggiornata con animazione e doppiaggio superiori, ma a mio parere, serve inavvertitamente a mostrare che le conclusioni finali del Maggiore sulla superiorità della tecnologia sull'umanità potrebbero essere alla fine errate. Quello che sto dicendo è 'attenersi all'originale'.

La matrice

Immagine tramite Warner Bros.

Pillole rosse, schivare proiettili, filo-fu, il mistico di Keanu. Forse non esiste un film moderno di fantascienza, azione o cyberpunk che abbia avuto un'influenza maggiore sulla cultura pop moderna rispetto ai fratelli Wachowski. La matrice . Rilasciato nell'incredibile anno cinematografico del 1999, La matrice è un successo strepitoso fino ad oggi, un film che riesce a fondere un miliardo di fonti di filosofia, pensatori orientali, muckrakers occidentali e cultura pop (inclusi molti dei film di cui si parla in questa lista) e offre un e blockbuster intelligente. Keanu Reeves interpreta un hacker di computer Neo che sa che c'è di più nella vita di quanto sembri e sta cercando Morpheus ( Laurence Fishburne ) per condurlo più in basso nella tana del coniglio. Per coincidenza, anche Morpheus sta cercando Neo, poiché potrebbe essere 'The One' - una figura di Gesù cibernetica che può liberare l'umanità dal suo dominio vizioso e surrettizio da parte della tecnologia.

Vedi, tu ed io non viviamo nel 'mondo reale' - viviamo in 'The Matrix', una simulazione al computer progettata per placarci mentre i robot cattivi raccolgono i nostri corpi dannati per il carburante. E come Neo, Morpheus, Trinity ( Carrie-Anne Moss , iniziando il film con un calcio sentito 'in tutto il mondo), e il resto della moderna battaglia di resistenza che indossa H&M con gli agenti (guidata da Hugo Weaving ) e decodificare profezie e programmi criptici, tutti i tipi di teorie che colpiscono i confini vengono esplorati nel bel mezzo di scene d'azione da crackerjack.

Non lasciatevi ingannare dagli idioti di Internet che hanno cooptato la sua iconografia per fini miserabili: La matrice continua a essere quel raro tipo di pasto, entrambi ricchi di sostanze nutritive ma deliziosi e che creano dipendenza come le caramelle. Un po 'come la bistecca intrinsecamente irreale Joe Pantoliano vuole continuare a mangiare.

quando Silente ha preso la bacchetta di sambuco?

esistenza

Immagine tramite Miramax Films

Se non ne hai sentito parlare esistenza , è perché ha avuto la sfortuna di essere 'un incredibile film di fantascienza uscito nello stesso periodo di La matrice ' (Guarda anche: Dark City , che non è abbastanza cyberpunky da fare la lista, ma pur sempre un dannato capolavoro). Come il regista David Cronenberg Le precedenti intersezioni di tecnologia e carne umana Videodrome e La mosca , esistenza è graficamente interessato a ciò che accade ai nostri esseri corporei ooey-gooey quando li schiacciamo con troppi progressi tecnologici. In altre parole, è come se l'estetica in quella sequenza nodosa di Sion con tutte le batterie del bambino dentro La matrice è stato allungato (nessun gioco di parole) per caratterizzare la lunghezza.

'eXistenZ' (non pronunciato nel modo in cui penseresti) è il nuovo videogioco del designer prodigio Jennifer Jason Leigh . Ma, come dice lei, 'non è solo un gioco'. Nel mondo di Cronenberg, per prendere in prestito il suo gergo precedente, la 'nuova carne', i videogiochi vengono iniettati nelle spine degli esseri umani, rimescolando intrinsecamente le prospettive degli utenti felici del gioco sulla 'realtà'. C'è un gruppo di ribelli noto come Realisti che promette di impedire a queste società di videogiochi di distruggere l'umanità per sempre. Come lo fanno? Spesso, con pezzi surreali di armi di carne che sembrano - e mi dispiace in anticipo per averti disgustato - come se qualcuno avesse preso un mucchio di pelle e ossa umane e li avesse costretti a 'forme di armi'. Funzionano ancora come armi, attenzione, sembrano solo i detriti ultra-cruenti che potresti trovare ai margini di un videogioco ultraviolento che Leigh potrebbe progettare. Dopo che un realista ha tentato di assassinarla con una di queste pistole skin, lei e la guardia di sicurezza Jude Law corri, tuffandoti sempre più in profondità nel mondo di eXistenZ.

Il film di Cronenberg suona un tocco come una Hollywoodizzazione più lenta di Tetsuo: The Iron Man , con dispositivi come i suddetti baccelli spinali, armi di carne e UmbyCords (facsimili di carne squishy che gli utenti di videogiochi massaggiano semi-eroticamente durante il gioco) che parlano della sua tesi secondo cui gli esseri umani stanno diventando sempre più interessati a fuggire dall'essere umani. Ora che la tecnologia ha superato anche la nostra immaginazione più selvaggia, le fusioni risultanti saranno catastrofiche. Cioè, loro voluto essere catastrofici ... se non fossimo troppo persi nelle nostre nuove realtà per accorgercene.

Upgrade

Immagine via Blumhouse

Il nostro ingresso più recente nel canone cyberpunk, Upgrade nasce dalla vivida immaginazione di Sega e Insidioso insegnante Leigh Whannell . Sebbene sia conosciuto principalmente come scrittore e attore, Upgrade consente a Whannell l'opportunità di flettere alcuni muscoli della regia. E intendo 'muscolo ...' beh, forse non del tutto letteralmente, dal momento che dopo il tecnofobo Gray Trace ( Logan Marshall-Green ) viene impiantato con un chip per salvarsi da una rapina pericolosa per la vita e diventare una macchina per uccidere cibernetica, sembra strano descrivere con precisione la sua abilità nel combattimento come 'muscolo', dato che 'muscolo' è, sai, un 'umano 'Cosa. La resa di Whannell delle sue sequenze di combattimento - senza dubbio il gancio fisico su cui passare il tempo Upgrade - è l'ambiguità visiva personificata perfettamente. Gray non ha particolarmente il controllo del proprio corpo quando inizia a prendere a pugni la gente: il cervello del computer, espresso da un Simon Maiden , lo sta praticamente usando come un burattino di carne. In quanto tale, Whannell e DP Stefan Duscio tenere la telecamera stranamente fissata su Gray come un asse stabile, risultando in un curioso effetto in cui il mondo intorno a lui si muove in una caotica anarchia mentre lui rimane fermo (e, grazie al dono di Marshall-Green per la commedia fisica, incredulo). Upgrade affronta così l'erosione pantofola dell'identità e dell'indipendenza tra un essere umano ei suoi strumenti tecnologici con una fisicità senza pari.

Ma questo non significa che sto screditando la sua sceneggiatura - molte Upgrade Le esplorazioni più illuminanti di ciò che il nostro futuro potrebbe riservare arrivano nei suoi momenti più lenti di riposo e connessione tra Gray e le persone che incontra (specialmente con l'hacker non conforme al genere interpretato da Kai Bradley ). In conclusione, dirò che lo slogan perfetto per Upgrade potrebbe essere usato come slogan per la narrativa cyberpunk in generale: “Non uomo. Non macchina. Di più.'