Come i film di Christian Petzold ricreano i tropi hitchcockiani
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Petzold fornisce un inquietante analogo contemporaneo all'iconico cinema basato sulla suspense di Alfred Hitchcock.
Durante i suoi film acclamati dalla critica Fenice e Transito , Cristiano Petzold dimostra il ritorno della Scuola di Berlino al cinema di genere fondendo tropi generici con uno stile visivo neorealista.
Fenice fa riferimento a vari generi, ma soprattutto al thriller di Hitchcock, all'interno di Nelly's ( Nina Hoss ) narrazione attraverso evocative immagini storiche. Ciò ha fornito uno spazio per navigare tra traumi personali ed emozioni collettive nella Berlino della fine degli anni Quaranta. Attraverso la sua chirurgia ricostruttiva e l'auto-impersonificazione spettrale per Johnny ( Ronald Zehrfeld ), gli atti di autosostituzione di Nelly diventano incarnazioni emotive del trauma bellico sul corpo femminile, invertendo la trama di Alfred Hitchcock 'S Vertigine per accogliere adeguatamente lo sfruttamento finanziario ed emotivo del protagonista da parte di Johnny.
In contrasto con la meticolosa ri-storicizzazione di Vertigine in Fenice , Petzold Transito coinvolge i tropi dei thriller 'uomo sbagliato' di Hitchcock all'interno di un contesto distopico atemporale esistente tra le paure politiche dell'Europa della seconda guerra mondiale e significanti visivi contemporanei come automobili e vestiti moderni, criticando i cicli storici dell'ansia in tempo di guerra attraverso Georg's ( Franz Rogowski ) tentano di fuggire dalla Francia dopo un'invasione fascista. Confrontando le due manifestazioni della narrazione storica revisionista attraverso la lente dei tropi del thriller, Petzold fornisce un inquietante analogo contemporaneo all'iconico cinema guidato dalla suspense di Alfred Hitchcock, mobilitando l'uso delle strutture narrative hitchcockiane per commentare l'isolamento di fronte all'avanzare della tecnologia e connessione umana in epoche di oppressione politica.
Evocando le immagini spettrali dell'immagine scheletrica finale di Hitchcock Psicopatico e soprattutto l'orrore del corpo hitchcockiano di Henri-Georges Cluzot 'S Occhi senza una faccia , la scena iniziale di Fenice introduce Nelly avvolta in bende insanguinate, stabilendo l'enfasi del film sull'impatto fisico del trauma del dopoguerra. Mentre Lene riporta Nelly a Berlino dopo la sua liberazione da Auschwitz, l'oscura cinematografia notturna esprime visivamente la forza spettrale del dolore del dopoguerra che incombe sul film, allineando emotivamente il pubblico con il dolore di Nelly mentre torna a casa per affrontare il suo trauma fisico ed emotivo. Dopo che Lene e Nelly hanno consegnato i loro passaporti a una guardia per l'ispezione, la telecamera mostra il punto di vista del soldato, rivelando il volto bendato coperto di sangue di Nelly. Mentre l'immagine suscita immediatamente il fascino della persona sotto la garza, la visualizzazione del volto bendato di Nelly avvia l'impegno del film con la suspense voyeuristica, sottolineando un Vertigine -come un intrigo sull'identità e l'esperienza di genere di Nelly che il film esplora attraverso la chirurgia riparativa di Nelly e la relazione performativa con il suo ex marito Johnny.
Dopo un breve periodo di riadattamento iniziale dopo un intervento chirurgico riparativo facciale, Petzold intensifica l'invocazione intertestuale dell'opera di Alfred Hitchcock Vertigine attraverso il tentativo di sfruttamento di Nelly da parte di Johnny per ricevere la sua eredità. Dopo una serata di lavoro al nightclub Phoenix, Johnny riporta rapidamente Nelly a casa sua attraverso le strade ombrose di Berlino. Al suo arrivo nel seminterrato, Johnny confessa di aver bisogno che Nelly impersoni 'sua moglie' per ricevere la sua eredità, dando vita all'omaggio dialogico del film a Vertigine . Mentre Hitchcock attende l'atto finale del film per rivelare al pubblico che Judy e Madeline sono la stessa persona, Petzold inverte Vertigine per rivelare Nelly come la moglie di Johnny nel primo atto del film prima che lo stesso Johnny lo scopra, mettendo il pubblico in vantaggio emotivo con la consapevolezza della sopravvivenza di Nelly. Rivelando la sopravvivenza di Nelly al pubblico prima di Johnny, Petzold inverte l'enfasi del genere thriller sul prolungamento del mistero per il pubblico al fine di minare la posizione patriarcale di Johnny all'interno della narrazione.
L'interpretazione di Nina Hoss del trauma di Nelly attraverso sottili curve e lievi inciampi mentre indossa i suoi abiti e manierismi prebellici esemplifica gli effetti fisici del trauma. L'incarnazione di Nelly del dolore in tempo di guerra all'interno dell'omaggio a Vertigine dimostra come l'inversione del genere thriller operata da Petzold reinterpreti la suspense hitchcockiana come metodo di ambigua catarsi storica. Mentre la mancanza di riconoscimento da parte di Johnny per la vera identità e le esperienze di dolore personale di Nelly allinea Nelly al personaggio (i) di Kim Novak in Vertigine , Nelly trascende l'autocompiacimento di Judy attraverso il suo attivo indebolimento del tentativo di sfruttamento di Johnny attraverso la sua sovversiva auto-impersonificazione.
Dopo il suo 'rientro' formale nella vita del dopoguerra, l'esecuzione finale di Nelly della canzone 'Speak Low' fornisce alla protagonista una liberazione emotiva e fisica da Johnny. Quando Nelly chiede a Johnny di suonare 'Speak Low' per farla esibire per i loro amici, un barlume di riconoscimento e senso di colpa appare nel volto di Johnny, rivelando il suo fallimento nel riconoscere la vera identità di Nelly. Nel mezzo dell'esecuzione della canzone da parte di Nelly, una ripresa dal punto di vista mostra la prospettiva di Johnny del braccio tatuato di Nelly, rivelando l'identità di Nelly a Johnny. Immediatamente, Johnny smette di suonare il piano mentre elabora la sua colpa e la sua unica complicità nella manipolazione di sua moglie, indicando la misoginia di Johnny attraverso la rivelazione di Nelly. Dopo aver concluso la sua interpretazione di 'Speak Low', l'inquadratura finale del film mostra il fiducioso riconoscimento di Nelly del suo pubblico e l'allontanamento dallo spazio della performance, esprimendo in definitiva l'auto-riconoscimento piuttosto che l'auto-impersonificazione. La liberazione di Nelly sovverte il finale di Hitchcock Vertigine , poiché Nelly sopravvive a Johnny piuttosto che morire al suo posto come Judy.
Se Fenice usa il thriller di Hitchcock come schema di rime cinematografiche con Vertigine , Transito riformula il tropo dell ''uomo sbagliato' di Hitchcock come un non sequitur, trasformando l'impersonificazione di Georg di uno scrittore morto per assicurarsi i documenti di transito in un racconto di immobilità e cicli storici. Sebbene molti film non di Hitchcock, incluso Casablanca e Michelangelo Antonioni L'anti-thriller dell'identità sbagliata Il passeggero, ha aperto la strada a Transito l'esame dell'assurdità delle relazioni in tempo di guerra e dei rischi di falsa rappresentazione, rispettivamente, Transito capovolge anche audacemente il tropo del thriller poliziesco dell ''uomo sbagliato' attraverso l'elusione circostanziale della punizione di Georg mentre impersona uno scrittore politicamente sovversivo di nome Franz Weidel. Piuttosto che coinvolgere la criminalità percepita di Georg come luogo di suspense narrativa, Petzold lo posiziona come una pedina in un gioco politico senza tempo, trasponendo la struttura del personaggio dell'uomo sbagliato di Hitchcock Da nord a nord-ovest o il titolo appropriato L'uomo sbagliato in un individuo completamente privo di agenzia all'interno dei sistemi in tempo di guerra. Anche se Georg sviluppa una storia d'amore con l'ex moglie di Weidel, Marie ( Paola Birra ) dopo essersi assicurato disonestamente i documenti di transito della coppia, il film non vira mai verso un edificio di suspense, concentrandosi invece sull'interiorità di Georg mentre incontra ogni esperienza apparentemente predeterminata.
Al di là del livello narrativo, la potenza hitchcockiana di Transito scaturisce principalmente dalla sorgente dell'ambiguità nell'ambientazione senza tempo e senza luogo del film, nonché dal rifiuto di informazioni essenziali da parte di Petzold. Anche se la storia sembra evocare i problemi socioculturali e i crescenti conflitti politici che hanno scatenato la seconda guerra mondiale, Transito applica le strutture storiche a contesti astorici, disseminati sia di edifici antichi che di mezzi di trasporto moderni. Sfocando le linee temporali del film, Petzold esalta il mistero del viaggio ironicamente immobile di Georg, collocandolo in una rete più ampia di circostanze al di fuori del suo controllo. Il ruolo di Georg come reinterpretazione dell'uomo sbagliato stabilisce il protagonista come una persona capace di rivelare la verità su un'identità intenzionalmente sbagliata. Piuttosto che rivelare il mistero nella conclusione in un modo simile al lavoro di Hitchcock nell'era del codice di produzione, Petzold estende i tropi hitchcockiani in un regno più ambiguo di buffonate anti-thriller. Transito si conclude anche con l'intelligente inclusione di Teste parlanti ' 'Road to Nowhere' riproduce i titoli di coda, che finalizza l'assurdismo hitchcockiano del viaggio predestinato di Georg verso un luogo di libertà indefinibile, e forse imperscrutabile.