Come ottenere un lavoro nell'animazione ai Walt Disney Studios

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Al WonderCon 2015, i reclutatori Disney danno consigli su come ottenere un lavoro come animatore presso Walt Disney Animation Studios e Disney Television Animation.

Al WonderCon di questo fine settimana, mi sono divertito a coprire i Walt Disney Animation Studios e Disney Television Animation: Careers at Disney Animation panel con Camille Eden (Manager, Reclutamento), Matt Roberts (Reclutatore artistico) e Brooke Keesling (Director, Talent Development) che ha condiviso alcuni dei diversi ruoli creativi che aiutano a realizzare film d'animazione e programmi televisivi. La discussione è stata moderata dall'animatore Disney Darrin Butters , su cui ha lavorato Grande eroe 6 e Congelato e ha offerto uno sguardo dietro le quinte di questa straordinaria forma d'arte. Il panel è iniziato con una breve proiezione che mostrava il film e l'animazione televisiva più popolare dei Disney Studios e si è concluso con un pubblico di domande e risposte.

I relatori hanno parlato dei diversi approcci di ogni studio; com'è lavorare all'interno di uno studio verticale dove tutto è fatto internamente; il processo di sviluppo nella pipeline dello studio; l'ambiente di lavoro collaborativo, frenetico e divertente; come si combinano arte e tecnologia; come tutti coloro che lavorano alla Disney contribuiscono al processo; l'importanza di rimanere fedeli alla visione dell'intera organizzazione; perché vogliono candidati con un forte senso dell'attrattiva, dell'estetica e della narrazione; il loro programma di formazione e le opportunità di stage; cosa cercano nel portfolio di un candidato; le migliori posizioni entry-level per i neolaureati; e l'importanza del supporto tra pari e di un feedback onesto.

Foto via Sheila Roberts

Ecco 15 cose importanti da sapere se sei interessato a intraprendere una carriera nell'animazione presso i Walt Disney Studios:

  • Disney Television Animation è un ambiente frenetico e di solito ha circa 12 serie in varie fasi di produzione in un dato momento. Sono spettacoli guidati dai creatori. Nuove persone che vogliono essere creatori vengono e propongono idee. Se approvato, fanno i piloti e DTVA decide quali saranno i semafori verdi per una nuova serie. Hanno anche proprietà del patrimonio che prendono idee dalla proprietà esistente nell'eredità Disney.
  • Alla Disney Television Animation, i creatori dello spettacolo sono al timone e portano la loro visione al tavolo, ma non sono necessariamente i registi dei propri spettacoli. Poiché ci sono così tanti spettacoli in corso in un dato momento, il creatore dello spettacolo sovrintende a tutto ciò, ma ci saranno registi diversi.
  • I Walt Disney Animation Studios sono più orientati al regista. Fanno un film all'anno. Attualmente stanno lavorando ai loro 55 annithfilm, Hanno anche un programma di cortometraggi e progetti speciali. Il loro contenuto è cresciuto in casa e i loro scrittori fanno parte dello studio. Devi essere allo status di regista per lanciare un film.
  • I Walt Disney Animation Studios hanno tre standard importanti, che sono raccontare storie avvincenti, creare mondi credibili e personaggi attraenti. Tutto inizia e finisce con la storia.

    Foto via Sheila Roberts

  • Il processo di realizzazione del film è diviso tra 14 dipartimenti in tre grandi aree: sviluppo, produzione di elementi e produzione di riprese. Sono uno studio verticale, il che significa che tutto è fatto internamente. È un ambiente molto collaborativo e i loro reparti lavorano insieme costantemente durante tutto il processo.
  • Alla Disney Animation, arte e tecnologia sono combinate e lavorano insieme. Lo studio ha specialisti in tecnologia che lavorano per l'intera pipeline.
  • I Walt Disney Animation Studios hanno un team di artisti dello sviluppo visivo, mentre Disney Television Animation cerca ruoli molto specifici come il direttore artistico, il designer dello sfondo, il pittore dello sfondo e lo stilista del colore.
  • Gli story artist del Walt Disney Animation Studio lavorano in modo molto approssimativo e gestuale perché eseguono molte iterazioni di molte delle stesse inquadrature e scene più e più volte man mano che il film si sviluppa. In TV Animation, la storia e le revisioni sono più rigorose.
  • La Disney non tende ad assumere molti scrittori per l'animazione televisiva perché la maggior parte dei loro programmi sono basati sullo storyboard e gli artisti dello storyboard stanno scrivendo.

  • Foto via Sheila Roberts

    Lavorare alla Disney Animation è divertente, frenetico e gli artisti vanno molto d'accordo e si nutrono a vicenda dei succhi creativi. Puoi lavorare con i tuoi coetanei e imparare gli uni dagli altri. Tutti sono lì per fare il miglior film possibile.
  • Se ti stai candidando per una posizione di livello base, il tuo portfolio dovrebbe rivelare la tua capacità di raccontare una storia come un film studentesco, una graphic novel o un fumetto che hai creato. Lo studio è alla ricerca di una forte abilità nel disegno, la capacità di fare una varietà di stili e che stai osservando dal vero e non solo attingendo da altri progetti.
  • Un revisionista dello storyboard, che ripulisce i disegni dello storyboard di un artista esperto di storyboard, è un buon lavoro di livello base. Se a Disney Television Animation piace la tua capacità di narrare, ti invierà un test dello storyboard per considerare il tuo potenziale.
  • I Walt Disney Animation Studios hanno un programma di formazione sullo sviluppo di film per artisti della storia che si svolge due volte l'anno. Le discipline variano a seconda delle esigenze degli studi. È un tutoraggio retribuito da 3 mesi a 1 anno in cui sei accoppiato con un artista Disney residente. (Vai a DTVATALENT@DISNEY.COM e DISNEYANIMATION.COM/CAREERS per maggiori informazioni)
  • In un grande studio come la Disney, tendi a essere assunto per una cosa specifica. È positivo avere una specialità, come una major che si concentra sulla storia, ma poi anche una minore che si concentra, ad esempio, sul character design. La versatilità in entrambi i mondi ti rende più commerciabile per l'industria in generale.
  • È un momento fantastico per cercare di entrare nel settore dell'animazione perché oggi hai le risorse del mondo a portata di mano. Circondati di un forte gruppo di artisti che rispetti che non ti diranno necessariamente quello che vuoi sentire e ti sfideranno e ti daranno un feedback onesto.

Guarda una trascrizione completa del pannello qui sotto.

Foto via Sheila Roberts

Moderatore DARRIN BUTTERS: Cominciamo presentandoci.

BROOKE KEESLING: Sono il direttore dello sviluppo dei talenti dell'animazione per Disney Television Animation. La TV è un ambiente davvero frenetico in cui di solito abbiamo circa 12 serie in varie fasi della produzione in un dato momento. La nostra cosa principale sono gli spettacoli guidati dai creatori. Gravity Falls è stato creato da Alex Hirsch. È il creatore di quello spettacolo. È la persona che porta la visione al tavolo. Abbiamo Penn Zero e Star contro le forze del male . Questo è lo spettacolo di Daron Nefcy. Porta la visione al tavolo per quello spettacolo. Abbiamo alcuni spettacoli in arrivo, tra cui Future-Worm! e Pickle and Peanut uscirà presto. Sono davvero divertenti. La nostra cosa principale sono i nostri spettacoli guidati dai creatori, ma poi abbiamo anche proprietà del patrimonio, il che significa che possiamo prendere idee da qualsiasi proprietà esistente nell'eredità Disney, come il Topolino pantaloncini. Paul Rudish è la persona che è al timone di Topolino pantaloncini. Ha avuto una lunga carriera nell'animazione. Ha preso ciò che tutti amano di Mickey e ha pensato a come rinfrescarlo rimanendo fedele a chi è il suo personaggio. Abbiamo un programma molto veloce. Realizziamo sempre più di un episodio alla volta. Stiamo anche facendo dei piloti. Quindi, abbiamo nuove persone che vogliono essere i creatori delle nostre prossime proprietà e vengono e ci propongono idee. E poi, facciamo i piloti e decidiamo quale di quei piloti vogliamo dare il via libera a una nuova serie. Questa è Disney TV Animation.

CAMILLE EDEN: Gestisco il reclutamento presso i Walt Disney Animation Studios. Uno dei modi in cui siamo diversi dall'animazione televisiva è che facciamo un film all'anno e, per di più, abbiamo un programma di cortometraggi. Il corto dell'anno scorso, Festa, in realtà ha vinto l'Oscar. Abbiamo anche progetti speciali negli studi. Tutto ciò combinato è parte del lavoro che facciamo alla Walt Disney Animation. Il nostro contenuto è cresciuto in casa. È tutto originale in studio. I nostri scrittori fanno parte dello studio di Walt Disney.

Immagine tramite Disney Channel

MATT ROBERTS: Gestisco tutti i ruoli artistici front-end come animazione, sviluppo visivo, storia e modellazione. Siamo più orientati al regista, ad eccezione del nostro programma di cortometraggi. Se stai proponendo un film nel nostro studio, devi essere allo status di regista. Non importa chi sia il nostro regista o quale sia il film, cerchiamo di mantenere qualsiasi film che realizziamo secondo tre standard molto importanti, ovvero raccontare storie avvincenti, creare mondi credibili e creare anche personaggi attraenti. Queste sono tre verità che dovresti sperare di trovare in qualsiasi film, che si tratti di un cortometraggio, di progetti speciali o di un lungometraggio che viene da noi.

Possiamo parlare delle differenze nei ruoli creativi dello studio?

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ROBERTS: Con i Walt Disney Animation Studios, il nostro processo di realizzazione del film è suddiviso tra 14 dipartimenti che si trovano in tre grandi aree: sviluppo, produzione degli elementi e produzione delle riprese. Inizierò con lo sviluppo. Siamo uno studio verticale che è un modo oscuro per dire che tutto è fatto internamente per noi. Viene dalla storia fino alle luci e all'editoriale sul retro. Siamo un ambiente molto collaborativo. Non siamo davvero una pipeline lineare in cui un dipartimento fa qualcosa, quindi getta il lavoro oltre il recinto affinché il dipartimento successivo se ne occupi. Cerchiamo di lavorare in modo più circolare in cui tutti risolvono insieme in anticipo i problemi per assicurarci che avremo una pipeline davvero pulita e regolare e che tutti siano coinvolti insieme. Per quanto riguarda i ruoli creativi all'interno dello sviluppo, tutto inizia davvero con la storia. La storia è davvero guidata dal regista, dal capo della storia e dallo sceneggiatore. Ma, nella stanza delle storie, sono loro tre che lavorano con l'intero staff della storia, che è composto da tutti i nostri artisti che lavorano insieme per risolvere i problemi e creare i mondi, rimpolpare i personaggi e assicurarci di avere un film davvero divertente. Inoltre, abbiamo un percorso di carriera che non credo molte persone conoscano, ma abbiamo un team di sviluppo che di solito ha un background nella scrittura. Lavorano anche con il regista in prima linea, per aiutarlo a spiegare i mondi e ad arricchire la storia prima che abbiano il via libera e entrino in produzione.

Immagine tramite Disney

pacific rim 2 no charlie hunnam

Oltre alla storia nel front-end, abbiamo anche lo sviluppo visivo che sono gli artisti che stanno facendo tutte le belle arti che vedi nei libri 'art of' ogni volta che esce un film. Sono come doppi fini. Possono fare le cose davvero divertenti ed esplorative in anticipo, il che aiuta il regista a visualizzare le idee. Ma poi, hanno anche un vero aspetto tecnico nel loro lavoro in cui devono fare dipinti davvero tecnici o disegnare turnaround per precisare come devono apparire le risorse più avanti nella produzione CG.

EDEN: Il prossimo passo è la produzione di asset. È qui che vengono creati molti personaggi e ambienti. Quindi, avremo modellazione e rigging. È un ambiente collaborativo. Questi reparti lavorano insieme costantemente durante tutto il processo e fanno squadra. In alcuni studi, potresti averlo dove gestisci una risorsa e poi lo passi al gruppo successivo. Ai Walt Disney Animation Studios, i nostri reparti lavorano a stretto contatto durante l'intero film. E poi, una volta che hanno lavorato alla produzione delle risorse, passano alla produzione effettiva delle riprese in cui le cose entrano come effetti e luci, dove prendi la scena e la illumini. Va tutto il percorso attraverso lo stereo. Tutto ciò accade nel back-end. Ancora una volta, quella collaborazione può andare dal front-end del gasdotto al retro e dal retro al fronte, ma i nostri team lavorano costantemente insieme. Un'altra area che è unica per Disney Animation Studios è che l'arte e la tecnologia sono combinate. Lavoriamo costantemente con il nostro dipartimento tecnologico e abbiamo anche specialisti tecnologici all'interno di ciascuna disciplina che a volte lavorano per l'intera pipeline.

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Abbiamo anche un editoriale che funziona e poi c'è la gestione della produzione. La gestione della produzione è dall'inizio alla fine. Portano davvero avanti il ​​film e aiutano a spostare quelle riprese lungo il processo. Quindi, di nuovo, vedrai tutto il crossover, davanti e dietro. Dobbiamo davvero lavorare insieme. Come dice il proverbio, ci vuole un villaggio. Crediamo davvero che tutti nello studio siano registi perché tutti fanno parte di quel processo durante tutto il tempo.

ROBERTS: Tutti prendono appunti sui nostri film mentre passiamo attraverso le varie proiezioni e iterazioni.

BUTTERS: È divertente perché puoi dire al regista e al produttore cosa pensavi del film nel palcoscenico in cui si trova. Puoi dire: 'Non capisco perché questo personaggio sarebbe motivato a farlo', e tu arrivare a inviarlo direttamente in cima alla catena. E ascoltano. Leggono ogni singola nota. È fantastico. Una cosa che vorrei anche sottolineare è che non fai la storia per poi passare all'animazione. La storia sta lavorando all'intero film.

ROBERTS: A John Lasseter piace usare questa vecchia frase in cui diciamo che nessuno dei nostri film è mai stato completato. Sono appena stati rilasciati. Se mettessi il potere nelle mani dei nostri artisti, continuerebbero a rielaborarlo per cercare di rendere le cose sempre più perfette. Ma arriva solo al punto in cui devi renderlo pubblico e speriamo che gli piaccia.

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KEESLING: I ruoli creativi per Disney Television Animation sono leggermente diversi. Come reclutatore per il nostro studio, avrò molte persone a volte che mi chiedono: 'Oh, voglio fare Vis-Dev, che è l'abbreviazione di sviluppo visivo. Questo è un titolo che funziona di più per voi ragazzi. Hai un team di artisti Vis-Dev. Per la televisione, Vis-Dev è suddiviso in tutte le piccole parti. Lo sviluppo visivo sarebbe il direttore artistico, il designer dello sfondo, il pittore dello sfondo e lo stilista del colore. C'è qualcuno chiamato stilista del colore in ogni spettacolo. Prendono tutti i colori di tutto ciò che il pittore di sfondo non dipinge. E poi, abbiamo anche artisti dello storyboard e revisionisti dello storyboard. Mi piace dire ai giovani, agli studenti, che se sono interessati alla storia, fare revisioni dello storyboard è un buon lavoro di base in Disney Television Animation. Quindi, tutti questi ruoli sono quelli che funzionano per noi. Sono i designer e gli storyboard. Quindi, al timone, c'è il creatore dello spettacolo e loro sono quelli che portano la visione al tavolo. I creatori dello spettacolo non sono necessariamente i registi dei propri spettacoli e questo può creare confusione per le persone. Ci sono così tanti spettacoli in corso in un dato momento. Ne abbiamo uno che stanno ancora lanciando le bacheche ed è ancora nelle miniature. E poi, ne abbiamo un altro in cui la storia è più approfondita. Quindi, il creatore dello spettacolo sovrintende a tutto ciò, mentre ci saranno registi diversi. Ogni troupe potrebbe avere due o tre registi che lavorano su tutti i diversi episodi in arrivo. È davvero veloce, ma è molto divertente e ci sono molti strati che si verificano su ogni squadra. Si spera che sia chiaro per te. Ci sono molte somiglianze con il modo in cui lavoriamo e poi ci sono sottili differenze.

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ROBERTS: Anche stilisticamente quando parla di storia, per gli story artist nel nostro studio, vogliamo che tu lavori in modo molto approssimativo, molto gestuale, perché stai facendo molte iterazioni di molte stesse riprese e scene più e più volte come il film si sviluppa. Quindi, abbiamo bisogno che tu lavori velocemente ma comunque con quel forte senso di appeal, mentre in TV Animation, la tua storia e le tue revisioni sono molto più serrate.

KEESLING: veloce e sporco. All'inizio sono super sciolti. A volte sono piccole miniature su piccoli post-it. E poi, man mano che diventano più felici della storia, la porteranno in un posto più stretto. Quello che stiamo andando verso è una sorta di animatic finale davvero serrato che andrà poi al reparto animazione. Una domanda che ricevo spesso riguarda gli scrittori. Non tendiamo ad assumere un sacco di scrittori per l'animazione televisiva perché la maggior parte dei nostri programmi sono basati sullo storyboard, il che significa che anche gli artisti dello storyboard stanno scrivendo. Abbiamo alcuni programmi guidati dalla sceneggiatura, ma la maggior parte di essi sono guidati dallo storyboard.

Com'è lavorare alla Disney Animation? KEESLING: È velocissimo ma è davvero divertente. È un ottimo posto dove lavorare. Gli artisti vanno sempre molto d'accordo. Ci nutriamo sempre a vicenda dei succhi creativi. È veloce perché ci sono così tanti episodi che devono essere realizzati e i programmi per gli episodi non sono così lunghi. Quindi, a quel livello, se ti piace l'ambiente dal ritmo veloce, è sicuramente un posto in cui prospereresti. È super divertente, molto orientato al team.

Immagine tramite Disney

In qualità di responsabile del reclutamento lì, se so che una persona è in pausa da uno spettacolo, come se avessimo un artista dello storyboard che si allontana da Vagare , Io dirò: 'Ehi, Gravity Falls , ragazzi avete bisogno di uno storyboard artist in questo momento? ' Cerchiamo di mantenere il nostro talento il più possibile e ci riusciamo molto. Siamo super solidali e tutti sentiamo di essere onorati di far parte di Disney Studio, l'ambiente Disney. Abbiamo un'eredità da sostenere. Dobbiamo rimanere fedeli alla visione dell'intera organizzazione e facciamo del nostro meglio per sostenerla e divertirci. Questo fa parte dell'accordo di lavorare per la Disney. Inoltre andiamo a Disneyland, cosa che ci piace. Quindi, ci sono molti vantaggi nel lavorare alla Disney. È un'azienda davvero divertente, orientata alla famiglia e meravigliosa.

EDEN: Una delle parti della nostra cultura è l'eredità. Siamo attualmente sul nostro 55thfilm, Zootopia , che prevediamo di rilasciare nella primavera del prossimo anno. Sono davvero entusiasta di questo. Continuiamo a dire collaborazione ma è vero. È un ambiente altamente collaborativo. È solo una parte della chiave. Una cosa speciale che è sorprendente dello studio è che puoi lavorare con i tuoi coetanei e impariamo gli uni dagli altri. Noi condividiamo. È una costante in tutto ciò che facciamo. È divertente lavorare alla Disney.

ROBERTS: Quello che mi piace davvero del nostro studio è che c'è pochissimo ego. Tutti sono lì per realizzare il miglior film possibile. Siamo molto, molto orgogliosi del successo di Congelato e Grande eroe 6 , ma fondamentalmente festeggiamo per una settimana, e poi è come se dovessimo farlo Zootopia il più bene possibile. Quindi, è come tornare nel tubo per assicurarci di fare tutto il possibile per lavorare insieme e offrire al pubblico un film davvero eccezionale.

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Sempre più arte e tecnologia lavorano insieme. È come se entrambe le parti si ispirassero a vicenda in questi giorni, dove la tecnologia dice: 'Cosa possiamo fare per far davvero brillare la nostra arte nel regno della CG?' Allo stesso tempo, i nostri artisti stanno diventando sempre più a loro agio nel venire dai nostri ingegneri dicendo: 'Questa è un'idea che abbiamo. C'è un modo per creare uno strumento per rendere tutto più semplice per i film in uscita? ' Con ogni film, cerchiamo di non ripeterci. Vogliamo davvero offrire al pubblico un'esperienza diversa. Vogliamo davvero spingere la forma d'arte e il nostro cinema con ogni cavallo fuori dal cancello. Stiamo facendo tutto il possibile per farti divertire. Apprezziamo che tu sia uscito per vedere il nostro film.

BURRI: E solo il fatto che stanno ristrutturando il nostro edificio in questo momento. Abbiamo una nuova costruzione ed è tutto orientato a renderci più collaborativi, rendendoci più facile essere collaborativi, e questo è entusiasmante. Ovunque voi lavoriate, convinceteli a procurarvi una barretta di cereali. Ci sono distributori di cereali e puoi camminare con una ciotola e riempirla. Hanno un frigorifero con ogni tipo di latte a cui puoi pensare. Questa è tutta la glassa sulla torta.

ROBERTS: Abbiamo bagel venerdì dove hanno bagel per tutti venerdì mattina. Abbiamo frutta fresca.

KEESLING: Abbiamo lo chef scelto a mano da John Lasseter presso il nostro commissario. È vero.

ROBERTS: Il nostro cereale è di marca. Siamo il generale Mills fino in fondo.

BUTTERS: Apriamo questo al pubblico per domande e risposte. Come lavori con altri reparti come il marketing o il merchandising dei prodotti?

EDEN: Il marketing fa parte dei Walt Disney Animation Studios. Come ha detto Matt, siamo uno studio verticale, quindi abbiamo il nostro dipartimento marketing e il nostro dipartimento finanziario. Sono tutti in studio con noi. Lavorano con un'azienda più grande, ma ancora una volta fanno parte di quella pipeline attraverso il processo. Sono presenti dall'inizio fino all'uscita del film.

ROBERTS: Abbiamo anche un ruolo piuttosto nuovo che è come un ambasciatore nelle altre nostre divisioni. Quando abbiamo prodotti di consumo e cose che escono per i nostri film o collegamenti ai parchi a tema, abbiamo qualcuno che lavora come rappresentante del nostro studio che va in quelle divisioni per supervisionare la qualità della merce a cui sarà legato un film o qualsiasi tipo di tema che lo rappresenterà. Vogliamo assicurarci di avere una qualità artistica costante che rappresenta i nostri film.

Hai intenzione di portare qualcuna delle serie che sono in TV in questo momento in un lungometraggio?

ROBERTS: Purtroppo non lo sappiamo. Dove si trova la nostra cultura creativa in questo momento, i nostri registi propongono idee originali all'interno del nostro studio. Penso che siamo molto ammirevoli in quello che sta facendo ogni studio.

KEESLING: L'opposto sta accadendo più in questo momento. Ci sono alcune cose di cui non posso parlare, ma alcune cose che hanno fatto prima di noi che ora potrebbero fare un passo.

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ROBERTS: La cosa divertente è che con il Topolino cortometraggi, abbiamo fatto il file Prendi un cavallo Insomma, allo stesso tempo Paul Ruddish stava facendo il Topolino pantaloncini per loro. Non avrebbe dovuto essere un tie-in. È stata solo una coincidenza. E poi, mentre ogni film veniva finito, penso che i creatori si riunissero e dicessero: 'Oh, cosa stai facendo?' e c'era questa reciproca ammirazione tra i registi che hanno pensato che fosse così bello che voi ragazzi prendeste Topolino in questo modo.

Quali sono alcune posizioni della storia di livello base per le quali un neolaureato potrebbe candidarsi? Cosa consiglieresti a qualcuno che vuole entrare nello sviluppo della storia e alla fine raccontare storie con la famiglia Disney?

KEESLING: Per l'animazione televisiva, una cosa che cerco nei portfolio è che mi piace vedere i film degli studenti delle persone. Se vai in una scuola che non ti obbliga a fare un film, allora fatti un film da solo, perché ci piace vedere la tua capacità di raccontare una storia. Guardo anche graphic novel e fumetti, quindi è qualcosa che cerco nei portfolio. Un lavoro di livello base sarebbe un revisionista dello storyboard, che è una persona che ripulisce i disegni dello storyboard che un artista esperto di storyboard avrebbe disegnato. Candidarsi per posizioni revisioniste è una buona strada da percorrere. Invieremo dei test. Se stiamo cercando un artista dello storyboard in uno spettacolo o un revisionista dello storyboard, possiamo inviarti un test dello storyboard. Devi prima far approvare il tuo portfolio perché non vogliamo inviare un test, volenti o nolenti, a centinaia di persone. Ma se vedono un barlume di ciò che stanno cercando nel loro spettacolo, ti invieremo un test, e poi lo rimanderai indietro, e potresti essere la persona che ottiene il lavoro.

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ROBERTS: Per il nostro studio, in realtà abbiamo un programma di formazione sullo sviluppo di film per artisti della storia. Non ci piace lanciare subito i neolaureati su un film perché è molto stressante per qualcuno che non ha mai lavorato a un film prima. Il nostro programma di tirocinio si svolge due volte all'anno. Le discipline variano perché cerchiamo di anticipare le esigenze che avremo in futuro, quindi speriamo davvero di prepararti per un lavoro. È da 3 mesi a un tutoraggio retribuito di 1 anno in cui sei effettivamente accoppiato con un artista Disney residente che ti farà da mentore e ti mostrerà le corde e cercherà di coltivare le tue abilità in quel periodo per cercare di prepararti a lavorare su un film. Dovrebbe essere per studenti laureati. È progettato per artisti che sono 0-3 anni fuori dall'università, quindi questa è effettivamente la struttura. Vogliamo che tu sia più sul lato junior perché vogliamo vedere il potenziale in te e vogliamo provare a farlo crescere nel modo in cui il nostro studio fa i film.

Quante volte si trova una posizione per un concept artist per l'animazione televisiva?

KEESLING: È difficile dire quanto spesso. Non abbiamo un programma stagionale rigoroso. L'azione dal vivo è come la stagione pilota. Siamo tutto l'anno. Stiamo illuminando le cose man mano che diventano fresche e pronte per il via libera. Quindi, non so dire quanto spesso. Come ho detto prima, non utilizziamo un concept artist. Non cerchiamo un artista Vis-Dev. Cerchiamo ruoli ben precisi. Quindi, cerco pittori di sfondo. Cerco design dei personaggi. Ci piace vedere un disegno davvero forte e ci piace vedere che puoi fare una varietà di stili perché i nostri spettacoli sembrano tutti diversi l'uno dall'altro.

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Il modo in cui è impostato il programma della mia scuola, devo fare una scelta tra TV, film, arte e scrittura, ma voglio fare tutto. Da che parte devo andare?

KEESLING: Hai tutta la tua vita davanti a te. Non lasciare che la pressione al ribasso dell'uomo, essendo la tua scuola, ti faccia decidere oggi. Non lasciare che ti spaventino. Scegline uno e provalo, e se questa non è la cosa esatta, renditi conto che non devi imparare tutto ciò che devi sapere a scuola. Imparerai così tanto una volta che sarai uscito e lavorerai. Quindi, scegli la cosa che sembra più vicina a ciò che pensi di voler fare. E se cambi idea, puoi cambiare idea. È un paese libero.

ROBERTS: Quando vieni assunto in uno studio più grande come noi o in TV Animation, tendi a essere assunto per una cosa specifica. Non è che galleggerai ovunque, ma detto questo, penso che sia bello avere una specialità, come avere una maggiore, ma poi magari avere una minore. Quindi, se la storia è ciò che vuoi fare, concentrati molto sulla storia. Ma se sei interessato anche al character design o qualcosa del genere, direi comunque di sviluppare anche quelle costolette, perché se hai quella versatilità in entrambi i mondi, o anche più mondi di quello, penso che ti stai rendendo più commerciabile all'industria in generale.

KEESLING: Cerca di ottenere uno stage mentre sei a scuola, perché quando sei uno studente e lavori in uno studio, inizierai a vedere: 'Oh, pensavo di volerlo fare, ma davvero Voglio farlo.'

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ROBERTS: Inoltre, quando fai domanda, vuoi che il tuo portfolio sia il più specifico possibile, perché se hai troppe discipline diverse tutte in una sottomissione, confonderai, a meno che tu non sia fantastico in tutte.

EDEN: Quando inizi a fare uno stage, o una volta che ti sei laureato, conosci la cultura del luogo in cui ti stai candidando. Assicurati che il tuo portfolio lo rifletta. Se stai andando per la televisione o per i lungometraggi di animazione o pubblicità, assicurati che il tuo portfolio lo rifletta.

KEESLING: Direi di far conoscere la tua presenza. Pubblica costantemente sul tuo Tumblr. Cerco costantemente su Tumblr cosa pubblicano le persone. Porta la tua roba là fuori. Fare film per studenti, per la televisione, ci aiuta. (A Matt) Non so se voi ragazzi lo guardate così tanto. Questo è qualcosa che guardo molto.

ROBERTS: Lo facciamo totalmente. Penso che sia un momento davvero fantastico per cercare di entrare nel settore dell'animazione perché oggi hai le risorse del mondo a portata di mano. Non è solo che hai una moltitudine di studi là fuori, ma c'è sempre 'arte di' libri che escono. Così tanti professionisti del settore hanno i propri Tumblr, blog o Instagram. Puoi entrare in contatto con gli artisti e metterti in contatto con loro. E se si sentono a proprio agio e hanno il permesso dagli studi di farlo, possono effettivamente darti un feedback sul tuo lavoro. Hai così tanti benchmark là fuori per stabilire connessioni e ottenere consigli. Direi anche, che tu sia ancora a scuola o incontri persone online, circondati davvero di un forte gruppo di artisti che rispetti che non ti diranno necessariamente quello che vuoi sentire e che sfidarti e darti un feedback onesto. Se sei a casa a lavorare da solo, lavori nel vuoto. Potresti commettere gli stessi errori ancora e ancora. Quando sei con persone che ti sfideranno e ti supporteranno, hai qualcuno da cui rimbalzare idee e stai per crescere. Ero un artista decente quando ero al college comunitario. Il secondo in cui sono andato a Cal State Fullerton e facevo parte di quella comunità artistica, ho sentito che tutte le mie capacità sono aumentate come non prima perché sono in una comunità che è qui per farmi avere successo.

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EDEN: Risale a quello che dicevamo prima a proposito di un ambiente collaborativo. Anche se hai persone esperte nel nostro studio, continueranno a far circolare le idee. Pensi di aver finito, ma poi entri e lo condividi con un gruppo, e loro potrebbero farlo a pezzi e rimetterlo insieme finché non trovi quel personaggio o quell'opera d'arte. Quindi, non è solo per gli studenti. È tutto per tutta la tua carriera.

KEESLING: Un'altra cosa che direi è essere gentili gli uni con gli altri a scuola, perché se rimani nell'animazione, lavorerai insieme per anni e anni e anni. Non mi piace molto la parola 'networking' perché suona come fare falsi amici che userete per varie cose. Ma inizia a costruire la tua vera rete. Aiutatevi a vicenda nei vostri progetti e unitevi alle organizzazioni. Women in Animation è una. Fanno mixer ogni mese e puoi iniziare a incontrare persone. Vai al WonderCon e tutte queste cose come il volontariato agli Amy Awards. Esistono diversi modi per iniziare a incontrare le persone con cui lavorerai. BURRI: ecco anche un enorme consiglio nella vita. Essere onesti. Cerca persone oneste che ti dicano se questo è terribile, o è fantastico, o se è necessario lavorarci sopra. Non dare un falso supporto in modo che qualcuno stia concentrando i propri sforzi su qualcosa che è una perdita di tempo. Sam Harris ha un fantastico mini-libro intitolato Dire bugie e si tratta solo di non tenere le persone lontane dalla realtà. Se vedi qualcuno e ti chiede la tua opinione su un lavoro, digli cosa ne pensi onestamente e su cosa ha bisogno di lavorare. Non mostrare a tua madre. Ti amerà qualunque cosa accada.

Immagine tramite Disney

Quale parte del nostro portfolio dovrebbe essere il disegno dal vivo, soprattutto per le persone che si candidano per posizioni nello sviluppo visivo, nel background o nella storia?

ROBERTS: Per noi dico sempre di fare due o tre pagine sul retro. Non hai bisogno di mettere così tanto, ma vogliamo vedere i tuoi fondamentali. Se sei un pittore, vorremmo anche vedere alcuni dei tuoi dipinti e studi oltre al tuo lavoro più creativo e più creativo basato sull'animazione. Il disegno degli animali è buono. Per chi è interessato alla storia, è anche bello vedere i tuoi schizzi osservativi. Ma vogliamo sapere che stai osservando dal vero e non si tratta solo di attingere ad altri progetti. Vogliamo una sorta di verità e autenticità dietro tutto ciò che costruisci. Fare ricerca, andare là fuori e studiare il mondo e le persone è davvero una parte importante di questo.

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EDEN: Ho solo bisogno di vedere abbastanza per sapere che capisci volume, forma e proporzione. Non ci serve una tonnellata. Lo vedo in un portfolio che non ha disegni dal vero se i disegni dei personaggi sono davvero forti, ma non fa male averne alcuni lì dentro. Non è necessario che sia un grande assemblaggio.

Sono uno studente di animazione e mi chiedo cosa cerchi in uno stagista?

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KEESLING: Per noi guardiamo ai portafogli. Ci piace molto leggere le lettere di presentazione e sentire la passione che hai. Sapere che sai cosa fa il nostro studio è importante. A volte puoi dire che qualcuno ha appena fatto domanda per ogni tirocinio sotto il sole e ti invia una specie di lettera modulo che hanno inviato a ogni studio. Sicuramente non stiamo cercando questo, ma la forza del tuo portafoglio. A volte, se le persone mi inviano un link al loro Tumblr e non lo aggiornano da molto tempo, dico: 'Disegnano molto?' Se devo scegliere tra due persone e vedo qualcuno che aggiunge sempre cose alle loro ... So che sei a scuola e hai molto da fare ma ... Se è Behance (sito di portfolio online) o Artimated, non lo fa ' importa davvero. Stavo solo usando Tumblr come una specie di catch-all. È quello che mi sembra di vedere di più ultimamente. È vedere che sei così impegnato e che mangi, dormi, vivi e respiri disegnando e animando. E anche i fumetti nel tuo lavoro personale. Non solo cose che pensi ti faranno ottenere il lavoro. Vogliamo vedere la tua visione perché potresti essere il prossimo creatore di spettacoli per noi.

ROBERTS: Se vuoi candidarti per un lavoro, è meglio avere un Tumblr separato che è il tuo portfolio, piuttosto che inviare il tuo Tumblr personale. Voglio vedere la tua arte, ma non credo che dovrei conoscere questa parte di ciò che sta accadendo nella tua vita. Basta avere qualcosa di separato da quello. Per noi, in realtà abbiamo stage artistici ogni estate destinati a persone che sono ancora a scuola e che torneranno a scuola in autunno. Tendiamo a fare solo stage di scrittura. Cerchiamo quello che sembriamo in un professionista, ma più a livello di studente. Vogliamo ancora che tu abbia un forte senso dell'attrattiva, dell'estetica e della narrazione in tutto ciò che fai, ma cerchiamo più potenziale. Sappiamo che uno stage non porterà immediatamente a un lavoro. Vogliamo solo vedere se questa persona può trarre vantaggio dall'apprendimento con i nostri artisti per otto settimane. È la stessa scala, ma fai del tuo meglio e mostraci il tuo lavoro più forte in assoluto.

Ho amici che usano il software di animazione Toon Boom per creare illustrazioni e storyboard. Se sono interessato a un lavoro sullo storyboard, devo avere quelle abilità specifiche quando cerco di candidarmi?

KEESLING: Per noi no. Se ci piace la tua capacità di narrazione, come se ti avessimo inviato un test di storyboard e pensavamo che questa persona lo avesse inchiodato e ci stesse facendo ridere, potresti venire in studio e potremmo insegnartelo. La capacità di raccontare una storia davvero bene e chiara e di avere tutti gli elementi necessari per quel lavoro è più importante. La parte tecnologica può arrivare più tardi.

ROBERTS: È più importante padroneggiare i fondamenti e il concetto di appeal e poi lavorare sugli strumenti da lì. Penso che ti renderà più commerciabile se conosci determinati programmi. Per noi, abbiamo plug-in proprietari, ma la maggior parte del nostro software è già disponibile. Se visiti la storia, di solito usi solo Photoshop nel nostro studio. In qualcosa di simile allo sviluppo visivo, supportiamo solo il processo dell'artista. Quindi, ci sono alcune persone che usano ancora media più tradizionali e quindi possono scansionare tutta la grafica in un secondo momento. Ma si tratta prima di tutto del tuo lavoro e poi degli strumenti, perché gli strumenti cambieranno sempre. Il software non rimarrà lo stesso nel corso di cinque o dieci anni ormai.

KEESLING: La narrazione è vecchia di secoli.

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