Come 'Requiem for a Dream' mi ha insegnato cosa fa un regista

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Il dramma della dipendenza furiosamente creato arriva su un nuovo set Blu-ray 4K disponibile oggi.

Requiem per un sogno mi fa sorridere. Mi allontano da ogni visione appena ispirata. È un pezzo di cinema ringiovanente, rinvigorente e totalmente vivo.

Ora, se hai visto Requiem per un sogno , probabilmente mi stai chiedendo: 'Cosa diavolo hai che non va?' E hai ragione! Requiem per un sogno è un dramma su quattro personaggi che cadono in incubi alimentati dalla dipendenza. È, oggettivamente, straziante, terrificante e inquietante . È un implacabile assalto ai sensi, una discesa spietata nel caos, uno studio di quattro personaggi che si fanno strada verso il fondo. Ma se esegui lo zoom al di fuori dei dadi e dei bulloni della storia ed esamini, invece, come sono stati posizionati quei dadi e bulloni, potresti anche essere ispirato.

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ho affittato Requiem per un sogno da Blockbuster quando è uscito per la prima volta. Non ero sicuro di cosa aspettarmi. Ma quello che ho ottenuto è stata una scuola di cinema in una scatola; una droga di passaggio (gioco di parole completamente destinato) alle gioie, alle invenzioni e ai limiti incredibilmente espansivi del cinema.

Immagine tramite Artisan Entertainment

Darren Aronofsky diretto e co-scritto Requiem per un sogno , adattato dal Hubert Selby Jr. romanzo (lo stesso Selby ha scritto la sceneggiatura con Aronofsky). Il film è stato il seguito di Aronofsky alla sua svolta a basso budget Pi , un film che allo stesso modo parla dell'ossessione che porta alla follia, e che è servito da palestra per molti degli ornamenti stilistici e delle tecniche che hanno trovato il linguaggio di Requiem . Pi è un orologio affascinante ma disordinato; Requiem , al contrario, ha il controllo completo. Ogni aspetto del lavoro di Aronofsky, dalle sue scelte fotografiche (per gentile concessione di DP extraordinaire Matthew Libatique ) alle sue decisioni di post-produzione (per gentile concessione di editor extraordinaire Jay Rabinowitz ), sono in stretto accordo tra loro. Tutto racconta la storia che deve raccontare per ogni scelta di sceneggiatura, ogni battuta del personaggio, ogni momento con una precisione perfetta del tono - e tutto in un modo evidente, performativo, al limite della grandezza. Come tale, Requiem per un sogno funziona come un perfetto pezzo di produzione cinematografica per gli aspiranti registi stessi, un manuale di istruzioni di grande testo su come usare il linguaggio del cinema nel modo più efficace.

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Cominciamo con la sua fotografia! Dal salto, la temperatura del colore ci suggerisce i viaggi psicologici che questi personaggi intraprenderanno, dove si sentono più sicuri contro i più minacciati e cosa succede quando questi mondi si scontrano. In generale, Aronofsky e Libatique stabiliscono una tavolozza 'i colori caldi sono sicuri, i colori freddi non sono sicuri', che vediamo accadere sia a livello macro tracciato sulla struttura tre atti-tre stagioni-estate-autunno-inverno della sceneggiatura (le scene estive sono generalmente calde, le scene invernali generalmente fredde) e su livelli micro all'interno di molti fotogrammi e sequenze. Il calore è desiderabile per tutti i nostri personaggi - Ellen Burstyn vuole tingersi i capelli di rosso, Marlon Wayans 'ricordi di sua madre esistono in una cornice dai colori caldi, Jared Leto continua a fantasticare Jennifer Connelly in un vestito rosso. I fotogrammi di Libatique e Aronofsky si illuminano e accrescono i desideri di questi personaggi; le scene estive sono spesso color seppia borderline nella loro correzione del colore e diventiamo più freddi e più desaturati man mano che andiamo avanti.

Questo uso del colore diventa perfettamente a fuoco quando Libatique e Aronofsky iniziano a scontrarsi e confrontano questi schemi di colori l'uno contro l'altro, a volte in diverse sezioni del film, a volte all'interno di un fotogramma stesso. Leto e Connelly hanno una scena d'amore iniziale che è semplicemente immersa in una calda luce; più tardi, quando la loro relazione si sta deteriorando, si siedono separati l'uno dall'altro su un divano in un'aura malaticcio azzurro e verde. I capelli rossi tinti artificialmente di Burstyn iniziano a marcire e ingrigire dalle radici in su, il simbolismo della sua distruzione letteralmente cresce da dentro di lei e viene a prenderla. In una bellissima inquadratura, Wayans siede sul suo letto fissando una foto della sua defunta madre in una temperatura calda e ombrosa - direttamente dietro di lui, schernendolo, c'è un temporale blu, freddo e minaccioso che martella alla finestra. Il simbolismo del colore non diventa più diretto di così, ma Aronofsky e Libatique non sempre gestiscono normalmente il playbook. Una volta che queste regole sono stabilite nella pietra, iniziano a capovolgersi, corrompersi e smettere di avere senso. Leto e Wayans partecipano a un affare di droga caldo e sudato nel retro di un negozio di alimentari, e un personaggio sta mangiando un'arancia (carino Padrino shout-out) indica un pericolo intenso che si verifica subito dopo. Più tardi, i due tentano di guidare da New York alla Florida, ovvero dal freddo al caldo, come parte fondamentale della sequenza della 'folle corsa verso la disperazione' del film. E la visione da incubo della povera Burstyn del suo frigorifero che fa crescere le mascelle e tenta di mangiarla è punteggiata da un caldo bagliore arancione. Stabilisci le regole e poi infrangerle: regia da manuale!

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Requiem per un sogno in particolare, e Aronofsky in generale, sono interessati a comunicare soggettivamente i viaggi dei loro personaggi, piuttosto che oggettivamente (una parte enorme del motivo per cui è un caso di studio così perfetto per un filmmaking efficace, in quanto rende lo stile molto più facile da tracciare). Ogni tecnica viene utilizzata per avvicinarci il più possibile al cervello dei personaggi; non stiamo giocando a Dio, stiamo giocando a Suoi semplici mortali. In quanto tali, i primi piani sono la cornice predefinita dell'immagine, al punto in cui quando i personaggi sono probabilmente più felici (vale a dire, indulgono nelle loro dipendenze), noi ruotiamo verso il più accentuato, estremo e decisamente astratto versioni di primi piani estremi ci sono.

La maggior parte delle scene di dialogo tradizionali sono coperte da singoli ravvicinati, i volti dei nostri attori riempiono l'inquadratura. In effetti, a volte questo non è abbastanza per Aronofsky; durante alcune sequenze di forte stress o terrore emotivo, la fotocamera viene letteralmente legata al petto di un artista (una tecnica chiamata SnorriCam, dal nome di due fotografi islandesi), quindi quando corrono intorno ai loro volti, il nostro ingresso nella loro verità psicologica, rimane stabile come il mondo scende nel caos intorno a loro. Ogni volta che ci allontaniamo da un primo piano, è per un cambiamento sorprendente nella posta in gioco all'interno del film. Le sequenze timelapse fisheye ci mostrano come si sentono i personaggi durante i picchi maniacali dei loro alti. Molteplici inquadrature a volo d'uccello, che iniziano da vicino sul viso di un attore prima di estrarle per rivelarle in modo ampio, servono come periodi di enfasi su dove esistono attualmente gli stati emotivi dei nostri personaggi. E in uno scatto di tracciamento sottilmente avvincente durante una conversazione carica tra Leto e Burstyn, Libatique sposta in modo stridente la telecamera lungo la linea di 180 gradi - una linea invisibile che gli operatori della telecamera usano per posizionare la telecamera in posizioni di orientamento durante le scene - proprio come Leto realizza qualcosa di orribile su Burstyn. Come spettatori e produttori, a volte possiamo dare per scontate decisioni semplici come 'un primo piano'; Requiem per un sogno ci ricorda che nessuna decisione è inerente e ogni decisione è intenzionale.

Questo processo di decisione intenzionale non è più evidente che in Requiem le tecniche di post-produzione di. In particolare, quei primi piani estremi della dipendenza astratta - mucchi di cocaina che si schiantano contro una superficie nera, eroina che viene spinta in una siringa, caffè che viene sorseggiato in modo ossessivo, pupille che si dilatano in uno spostamento psicologico e fisiologico - sono inceppate l'una contro l'altra a fuoco rapido , montaggi rapidi, ciascuna immagine abbinata a un effetto sonoro altrettanto frastagliato e astratto. Queste esplosioni di energia rappresentano la feroce efficienza alla quale i tossicodipendenti possono sballarsi, il cambiamento inarrestabile al proprio stato emotivo che si sta sballando può portare (una scena di Leto in lacrime seguita da uno di questi montaggi seguito da Leto che appare perfettamente calmo lo comunica in modo pulito), e il ritmo generale di vita che questi personaggi sono abituati (o preferiscono?) a vivere. Al di là di questi mini-montaggi, il ritmo editoriale del film tende a muoversi a una clip più veloce del normale (con momenti più lenti e impieghi più lunghi a raddoppiare la loro efficacia e intenzione), evidenziati e incoraggiati da un notevolmente unico, efficace, e il punteggio legato alle immagini da Clint Mansell (Risparmierò il mio approfondimento sulla teoria musicale per un altro articolo, ma dirò solo che il suo uso di motivi, aggiustamenti minimalisti nell'arrangiamento e corruzione tra forme di musica classica e contemporanea imita perfettamente la visione di Aronofsky).

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I tagli rapidi evidenziano anche la tragedia intrinseca del film, incorporata nel suo stesso titolo: a questi personaggi non sarà mai permesso di realizzare i loro sogni. Saranno sempre separati da loro, i loro desideri saranno sempre crudelmente strappati dalle loro dita prima che possano davvero toccarsi - quindi, tagli rapidi per evitare che noi (e loro) ci attacciamo troppo. Aronofsky fa un ulteriore passo in avanti con il suo uso numeroso di schermi divisi, in cui il nostro frame è diviso in più frame con diverse azioni in corso. O nel caso di Requiem , a volte la stessa identica azione. La nostra primissima scena separa Leto e Burstyn non solo all'interno del regno fisico tramite Burstyn che si nasconde in un armadio, ma con questo uso dello schermo diviso per esacerbare la loro separazione emotiva. Anche la già citata scena d'amore tra Leto e Connelly si svolge in split-screen; nonostante i due personaggi si trovino sullo stesso letto, devono raggiungere lo schermo diviso per raggiungersi l'un l'altro. Un pezzo di prefigurazione particolarmente efficace, della tragedia greca riguardo al destino dei nostri personaggi - anche quando raggiungono i limiti del loro stesso cinema, ci sarà sempre una divisione che impedirà loro di ottenere ciò di cui hanno bisogno.

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Ci sono così tante altre cose meravigliose in merito Requiem Il film è da sottolineare, ma si spera che questo ti dia un primer che può aiutarti a scendere nella tana del coniglio da solo. La dipendenza, uno stato dell'essere intrinsecamente psicologico, ha molte manifestazioni fisiche. Il cinema, in un certo senso, è una manifestazione fisica di stati dell'essere intrinsecamente psicologici; come possiamo realizzare un oggetto tangibile che rappresenti la nostra intangibile condizione umana? Usando ogni tattica di regia fisica a sua disposizione e minuziosa, Darren Aronofsky ci mostra esattamente come trasformare lo psicologico in fisico, non solo con le ramificazioni della dipendenza, ma anche con qualsiasi esperienza umana a cui desideri applicare le sue strategie. Requiem per un sogno può piangere i sogni dei suoi personaggi, ma serve comunque ad accendere i miei.

Requiem per un sogno è disponibile su un set Blu-ray 4K del 20 ° anniversario a partire da oggi. Per ulteriori informazioni su Aronofsky, ecco la nostra classifica dei suoi film.

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