I film di Michael Mann classificati: The Good, the Bad, and the 'Public Enemies'

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'Tutto quello che sono è quello che cerco'? Ragazza, lo stesso.

Tramonti cupi, luci al neon contro strade bagnate, chitarre elettriche e sintetizzatori e tom tom elettronici che piangono, professionisti che sono solo professionisti professionisti, Al Pacino urlando 'Perché lei ha un culo grrrRRRREAT!' Chiaramente, Michael Mann è uno dei nostri stilisti cinematografici in anteprima, un autore la cui sensibilità e inclinazione sono definite e raffinate sin dal suo film d'esordio. In effetti, il Mann nato a Chicago, un chiacchierone noto per aver eseguito set difficili costruiti sull'autenticità su tutto il resto, a volte viene punito per un approccio `` stile sulla sostanza '', specialmente nel suo iconico lavoro televisivo come Miami vice . Ma sotto il cofano - e specialmente sotto gli scudi induriti dei suoi personaggi - c'è un sacco di cose nel motore.

Prendi un paio di occhiali da sole, fatti un trauma represso e trova una fotocamera a pellicola da 35 mm incontaminata o una videocamera digitale prosumer con un il tuo of noise: Stiamo classificando i migliori film di Michael Mann, dal suo peggiore al suo migliore.

11. Nemici pubblici

Immagine tramite Universal Pictures

Yikes! Jeepers! E completamente, woof! Nemici pubblici è probabilmente l'unico cane vero e proprio di Mann, un film cupo, freddo, visivamente brutto che sembra perversamente disinteressato a qualsiasi sfaccettatura tradizionale di un dramma gangsteristico d'epoca, a suo grave danno. Il film racconta la vera storia di John Dillinger ( Johnny Depp ), un noto rapinatore di banche che ha catturato i cuori e l'immaginazione del pubblico nella Chicago degli anni '30, in particolare la cantante jazz Billie Frechette ( Marion Cotillard ). Caldo alle calcagna di Dillinger? L'agente abbottonato dell'FBI Melvin Purvis ( Christian Bale ), che agisce agli ordini di un sempre più risoluto J. Edgar Hoover ( Billy Crudup ). Tutto questo, sulla carta, suona come una schiacciata a vuoto per Mann. In pratica? Più come un tre a metà campo che colpisce accidentalmente la mascotte.

Il film, uscito nel 2009, rappresenta il nadir creativo assoluto delle ossessioni e degli esperimenti di Mann degli anni 2000 con la cinematografia digitale. Ma a differenza di altri pionieri della fotografia digitale di quest'epoca (il tuo James Camerons , il tuo Robert Rodriguezes ), Mann non era interessato a replicare l'aspetto del film. Invece, Mann ha utilizzato la fotografia HD nodosa, sporca e granulosa con fotocamere digitali che non potrebbero importare di meno di sembrare qualsiasi immagine standard di Hollywood. Alcuni esperimenti di Mann con questo stile di regia funzionano come dei gangster (ci arriveremo più avanti). Ma Nemici pubblici , il primo film che Mann ha realizzato interamente in digitale, non è difficile. Le immagini di Mann, rese dal suo solito DP Dante Spinotti , sono appiattiti, desaturati, dall'aspetto economico, annebbiati e durante le sequenze d'azione, letteralmente dolorosi da guardare. L'era che Mann sta percorrendo era piena di passione, jazz e la divinizzazione allettante e ambigua di criminali sgargianti. La gamma visiva di Mann di 'cinematografia noiosa e brutta', combinata con il lavoro smorzato degli artisti, combinata con il suo aggravante affidamento su procedure realistiche sul dramma umano, elude tutto quell'intrigo a favore di qualcosa di molto più dubbio. Tutte queste sfaccettature e altre ancora vengono utilizzate da Mann regolarmente con effetti molto migliori. Nemici pubblici è una scappatella e un po '.

10. Ma

Immagine tramite Sony Pictures

Vuoi saperne di più Muhammad Ali , il pugile di fama mondiale e attivista sociale? Penso che te lo consiglierei non orologio Ma come punto di partenza.

In un certo senso, quella di Michael Mann Ma , interpretato da un candidato all'Oscar Will Smith nel ruolo del titolo, recita come il famoso documentario sull'uomo Quando eravamo re (un film tu dovrebbero guarda se vuoi saperne di più su Ali), ma, come, se Quando eravamo re erano allungati in un lento movimento lunatico, tendente all'ambiente. I 25 minuti di apertura di Ma , in particolare, prendi in prestito parte dell'uso selvaggio e frenetico del montaggio e della musica da Quando eravamo re - solo con molta meno chiarezza, scopo e contesto immediato. Mann mette in scena una prolungata performance musicale di Sam Cooke ( David Elliott ) e taglia tra molti momenti disparati, nei media res della vita di Ali (di nuovo, avviare rapidamente il film in media res è un trucco che Mann fa in altri film per ottenere un effetto molto migliore). Ma se Quando eravamo re taglia le immagini all'osso, Ma taglia le immagini e lascia una tonnellata di carne, cartilagine e grasso - e poi si rifiuta di dirti che tipo di carne è.

La parola 'portata' mi è venuta in mente molto durante la visione di questo film, soprattutto nella performance di Smith. Non è uno scherzo, uno dei miei attori cinematografici preferiti di tutti i tempi, e l'idea di collaborare con Mann per rappresentare Ali (che ha pubblicamente sostenuto Smith) mi ha entusiasmato a non finire. Ma la sua interpretazione dell'icona raggiunge in modo controintuitivo un'impressione simile a uno schizzo, mentre si sente anche stranamente trattenuto. Smith sembra decidere di non mostrare alcuna emozione sul suo volto quando interpreta Ali - i momenti della performance che fanno pop (come una bella scena ambientata in inverno alla fine della foto) pop perché Smith permette a se stesso di emote e attingere a ciò che lo rende naturalmente efficace come interprete. E quando Smith è costretto bruscamente a 'scene biografiche' scritte e messe in scena in modo più tradizionale (Ali e suo padre litigano! Ali dice citazioni che tutti conosciamo e amiamo! Ali trionfa nella Rumble in the Jungle!), Sembra meno un alito di aria fresca e più simile a un'altra sconcertante ottusa decisione del signor Mann. Mann ha applicato la sua estetica a generi più tradizionali e di prestigio in passato e ha avuto un discreto successo. Ma è, per lo più, lo stesso regista che si fa drogare.

9. Blackhat

Immagine tramite Universal Pictures

Nonostante Cappello nero La reputazione di fallimento critico e finanziario, c'è un sacco di sublime assurdo, thriller d'azione-hacker che gira intorno al mondo con cui posso farcela. L'occhio di Mann per la consistenza, dopo l'incidente di Nemici pubblici , torna in piena forza, la sua fotografia digitale si adatta perfettamente all'incomprensibile trama digitale del film. Le sequenze d'azione sono spartane ed efficaci, i dialoghi sono pieni di battute da far scoppiare il cervello che adoro da Mann, e Viola Davis si adegua perfettamente a questo mondo. Ma sfortunatamente, Chris Hemsworth , come lo straordinario hacker di computer Nicholas Hathaway, non riesce a indossare lo stile di Mann come un abito che si adatta bene. Penso che Hemsworth funzioni meglio quando gli è permesso di mostrare vulnerabilità, sia nella disperazione emotiva che nell'umorismo, e Cappello nero non richiede niente di tutto ciò. Invece, vuole principalmente che sia un muro ghiacciato di freddezza, un gangster incallito e duro che può sparare a battute come 'Ho commesso il crimine, sto facendo il tempo, il tempo non lo è facendomi ”ed essere creduto. Ma io, soprattutto, non credo a Hemsworth in questi momenti. Sembra tutto come un costume, dal suo accento di Chicago non così eccezionale (lascia che sia australiano!) Alla sua scelta che 'tosto è uguale a monotono'. E, per la cronaca, Hemsworth tende ad essere d'accordo con me, raccontando Varietà , 'Non mi è piaciuto quello che ho fatto nel film. Sembrava piatto, ed era anche un tentativo di fare quello che pensavo che le persone avrebbero voluto vedere. Ma non credo di essere bravo in quello spazio. '

Oltre il lavoro centrale di Hemsworth? Cappello nero merita una rivalutazione. Il lavoro in sequenza di Mann è scioccante sin dall'inizio (anche se alcune delle transizioni digitali e delle esplorazioni attraverso i chip dei computer sembrano David Fincher ), il suo amore per i professionisti che sputano gergo continua ad essere eccitante anche quando (soprattutto quando!) non ha senso e, ancora una volta, Viola Davis, Viola Davis, Viola Davis. Se riesci a superare la sfortunata reputazione del film, troverai un thriller d'azione muscoloso, unico e digitalmente preveggente in cui affondare la tua chiavetta USB.

8. L'ultimo dei Moicani

Immagine tramite 20th Century Fox

Tutto in questo film è bello. Il suo uso sorprendente della temperatura del colore e dell'ombra (Spinotti qui fuori si flette), i suoi panorami widescreen di una natura meravigliosa corrotta da battaglie brutali, il suo romanticismo travolgente al centro della sua storia, la sua colonna sonora meravigliosamente malinconica da Trevor Jones e Randy Edelman e ovviamente Daniel Day-Lewis a torso nudo con i capelli lunghi. Questo è tutto per dirlo L'ultimo dei moicani sembra forse il meno come un 'film di Mann' e il più come un film di prestigio di un regista di talento al comando della sua arte, desideroso di recitare con le persone con cui ha bisogno di recitare per il consumo di massa e il brusio degli Oscar. Niente di tutto questo è un colpo al film - è un po 'per Mann cosa Arrivo è quello di Denis Villeneuve , un film eminentemente guardabile, emozionante e persino ottimista che non placare, proteggere o allontanare inutilmente dai migliori impulsi del suo autore.

Ci sono ancora mannismi, non preoccuparti. La consegna di Day-Lewis di 'Un giorno penso che tu ed io avremo un serio disaccordo' è un pezzo di dialogo aggressivo e contemporaneo che combatterebbe dritto ai suoi epici criminali dei giorni nostri. Mann ama ancora lanciare i suoi eroi, intrappolati tra gli obblighi della professionalità e l'allettante cascata dell'amore, sotto i giusti bagliori del tramonto. E le sue scene d'azione sorprendono ancora per la loro franchezza, specialmente una sequenza di 'attacco alla battuta' suonata in modo inquietante senza musica. Ma sotto tutto, più degli altri suoi film, c'è una vera storia d'amore hollywoodiana tra Occhio di Falco di Day-Lewis e Madeleine Stowe è Cora. E non lo sapresti? Quando Mann tratta l'amore come un oggetto meno breve e irraggiungibile nel modo in cui l'uomo ha bisogno di soddisfare il suo destino nella vita, e più come 'una cosa bella che accade', si ottiene un lavoro davvero carino, genuinamente romantico. Molti dei film di Mann presentano scene d'amore sensuali come mini-interruzioni per i veri percorsi dei loro personaggi incalliti: in questo, l'amore è il percorso.

La narrativa intrinseca del film, tuttavia, suona come problematica agli occhi moderni. Raccontando la storia della guerra franco-indiana, Occhio di Falco di Day-Lewis è un uomo bianco adottato da una tribù moicana, incaricato di assistere l'esercito britannico di colonizzatori contro l'esercito francese di colonizzatori, che sono assistiti dalla tribù degli Uroni, rappresentata più ferocemente da Magua ( Wes Studi ). La fedeltà di Mann per la storia e l'accuratezza di questa trama già complicata si oppone al suo bisogno di realizzare un film incentrato su una star del cinema, accessibile e prestigioso, risultando in un sacco di ickiness di fronte a certi colonizzatori eroi, colorismo tra eroico, più leggero nativi dalla pelle scura e nativi dalla pelle scura e malvagia (la scena in cui Day-Lewis spiega in bianco l'insistenza di Studi nell'aiutare `` l'uomo bianco '' è davvero qualcosa), e la feticizzazione borderline di certe pratiche violente (scalping, strappare i cuori dal petto, ecc. .). Inoltre, la suddetta colonna sonora, sebbene bella, non prende spunto dalle canzoni popolari dei nativi, ma dalle melodie scozzesi e da altre europee. Perché questo film è così ansioso di incorniciare i bianchi di discendenza europea come i suoi eroi? Beh, penso che probabilmente sappiamo il motivo per cui.

Al momento della sua uscita, nel 1992, sono sicuro che questo film sembrava in qualche modo una boccata d'aria fresca riguardo alla rappresentazione dei nativi. Ora, mi piacerebbe vederlo riavviato con i suoi registi di supporto, in realtà nativi e membri del cast, al centro della scena e che possiedono la propria storia.

7. Manhunter

Immagine tramite De Laurentiis Entertainment Group

Adesso stavamo parlando. Quando le persone immaginano l'estetica cinematografica di Michael Mann, immagino Manhunter sarà il primo film sulla punta della lingua per molti. Basato su Thomas Harris ' Drago rosso , e uscendo ben prima Jonathan Demme 'S Il silenzio degli agnelli cementò quella particolare versione della mitologia di Hannibal Lecter (al punto in cui Mann cambiò il suo nome in 'Lecktor'), Manhunter segue un protagonista maschile Mann, classico ma torturato, di nome Will Graham ( William Petersen ). È un talentuoso profiler criminale dell'FBI, in grado di entrare in empatia a un livello pericoloso con gli assassini malati e sadici che ha il compito di cacciare (reso nel film da Petersen che urla al filmato VHS delle vittime, che è sia affascinante semplice che genuinamente sconvolgente). Jack Crawford ( Dennis Farina , un attore Mann veramente puro) deve riportare Graham dal suo accogliente ritiro sulla spiaggia con la sua famiglia e gettarlo di nuovo nella fornace, mentre un nuovo assassino è in libertà: Il drago rosso, interpretato con estrema inquietudine da Tom Noonan . Riuscirà Graham a domare questa bestia tra gli umani ancora una volta? E forse ancora più importante: dovrebbe?

Per quanto riguarda Annibale di tutto questo, Brian Cox interpreta il cannibalista serial killer Frasier Crane con una formalità gelida. a differenza di Anthony Hopkins 'rappresentazione che si crogiola nel divertimento dei suoi giochi intellettuali, o Mads Mikkelsen Nel ritratto della NBC che tenta la sua preda con un maestoso e impassibile splendore, Cox dà al suo Lecktor uno scudo armato. È furbo da morire, sì, e desideroso di giocare con Will anche mentre è dietro le sbarre, sì, ma non è per un senso di divertimento. Come il migliore dei personaggi di Mann, questo Lecktor fa questa merda semplicemente perché deve, perché è un dannato professionista. Vederlo accettare frettolosamente di guardare i fascicoli di Will solo perché è infastidito dal fatto che Will non possa farlo da solo è un pezzo di commedia mordente che parla di questo bisogno del personaggio - e poi Lecktor scompare per lo più dalla foto, mantenendo la caccia in modo preciso. tra Will e il drago rosso.

Mentre parte della copertura di Mann e Spinotti sembra un po 'troppo squadrata per i miei gusti (alcune delle raffigurazioni dei dialoghi `` shot-reverse-shot' 'stanno andando per l'obiettività giornalistica, ma arrivano invece su `` TV a buon mercato go-go-go' '), molto della loro grammatica visiva è fuori dal guinzaglio. I cieli impongono a tutti, sia che siano di un blu brillante durante il giorno, stranamente bianchi al chiaro di luna, o che siano arancioni e rossi durante la luce del sole. Quando il film inizia a precipitare in sequenze puramente horror (cioè ogni volta che il Drago Rosso fa qualcosa), la padronanza di Mann della relazione tra suono e immagine brilla con una lucentezza spaventosa. È un film oltre il serio, in cui alcune delle scelte più strane e ancora più sciocche (cioè ogni volta che i crimini del Drago Rosso sono segnati da musica pop lunatica con testi) sembrano meno insetti e più simili a caratteristiche (e la sparatoria finale, impostata su 'In Da Gadda Vida, 'compensa e altro ancora). E mentre alcuni dei lavori sui personaggi si leggono un po 'sottili o archetipici (davvero, cosa diavolo fa Joan Allen Il personaggio cieco guadagna dal passare del tempo con il Drago Rosso?), presenta anche scelte di carattere che potrebbero essere la manifestazione più pura del potere di Mann, in particolare quando Will Graham si offre come esca al Drago Rosso. Dopo tutto: cos'altro può dare un professionista se non se stesso completamente, nel cuore, nell'anima e nel corpo?

6. Il mastio

Immagine tramite Paramount Pictures

quando esce ritorno al futuro 4?

E ora qualcosa di completamente diverso. Se ti sei mai chiesto come sarebbe se Michael Mann decidesse di esserlo John Carpenter , orologio The Keep e preparati a far saltare in aria la tua fottuta faccia. La produzione e l'eventuale 'taglio finale' di The Keep è notoriamente turbato, dalle storie di Mann che non è sicuro di come voleva che fosse il suo mostro anche quando era il momento di filmarlo, al loro supervisore degli effetti visivi Wally Veevers morire prima che gli effetti visivi culminanti venissero completati, a un taglio iniziale di 210 minuti (!) che lo studio ha ridotto a 96 minuti (!!) contro i desideri di Mann, evitando cose come la 'comprensione della trama' o anche la 'continuità di editing di base' nel processi. Ma sai cosa? Il prodotto finale, per quanto diffamato e malato sia, strappa assolutamente. Essere assorbiti dalle scelte selvagge di questo film e dalla ricca atmosfera è stato come immergersi in un iconico album prog-metal. So cosa significa la storia? Non sono sicuro che mi importi quando la musica suona così decisamente audace.

L'ibrido horror-fantasy-WWII riguarda un gruppo di soldati nazisti (tra cui Gabriel Byrne ) nel tentativo di trovare un tesoro in una fortezza di montagna rumena. Tecnicamente lo fanno, ma scatenano un mostro feroce e vendicativo determinato a consumare vite umane (espresso con sorprendente minaccia da Michael Carter ). Per cercare di prendere il controllo di questo mostro, i nazisti devono rivolgersi a uno storico ebreo ( Ian McKellen ) che possono avere le chiavi per comprendere i simboli e le motivazioni dietro il mostro. Ma a quanto pare, il mostro vuole offrire a McKellen l'eterna giovinezza, in cambio della sua anima e delle sue offerte, ovviamente. Oh, e inoltre, c'è un temibile e misterioso guerriero di nome Glaeken Trismegestus ( Scott Glenn , figo da morire) che si presenta quando il mostro viene scatenato per cercare di fermarlo lui stesso.

Questo è quanto di meglio posso fare per quanto riguarda un 'riassunto della trama'. Ma amico, 'la trama' non ha importanza quando si tratta di divertirsi The Keep . È un trionfo assoluto di atmosfera, di stile, di sperimentazione fiduciosa. Sì, ci sono strane lacune nella narrativa e nell'azione a causa del suo montaggio frammentato, ma tutto questo si aggiunge al suo effetto sconcertante e piacevole. Le immagini di Mann sono sorprendenti, surreali e con una correzione cromatica magistrale: un perfetto incapsulamento di tutti i generi con cui sta suonando, per non parlare del suo stile tipico. Il Tangerine Dream la colonna sonora è esplosivi sciropposi da parete a parete, che forniscono un letto anacronistico di liquidi guidati dal sintetizzatore all'azione del periodo. Mann, francamente, dovrebbe realizzare pezzi di genere più diretti, perché quando gira le viti di fronte a orrori soprannaturali, trionfi e mostri letterali, Wow è efficace e Wow fornisce una catarsi narrativa che raramente otteniamo con uno dei film di Mann? Se ti piacciono i film di genere in stile retrò come Mandy , o vuoi vedere di cosa si tratta un remix di trappola di codeina di Soundcloud predatori dell'arca perduta potrebbe sembrare, The Keep è il tuo nuovo cult preferito.

5. Miami Vice

Immagine tramite Universal Pictures

Miami vice , Il ritorno cinematografico di Mann nel 2006 nel mondo televisivo che aveva originariamente creato negli anni '80, ha probabilmente la sequenza di apertura più emozionante di tutta la sua carriera. Inizia con la maggior parte delle riprese 'in media res' che chiunque abbia mai 'in media res'd': una ripresa senza contesto, fluttuante, a mano libera di un gruppo di persone che fanno festa in un nightclub rumoroso. All'improvviso, il nostro agente di polizia di Miami conduce, Colin Farrell e Jamie Foxx nei panni di Crockett e Tubbs, che attraversano la scena, già nel bel mezzo di un dannato caso. Qual è il caso? Chissà, Mann ha mixato l'audio così forte che riusciamo a malapena a sentire il loro audio. Siamo solo gettati a capofitto nel loro mondo di confusione, di caos fragoroso, di ogni singola linea tra il bene e il male sfocata. Miami vice è forse il film più soggettivo che Mann abbia mai realizzato, gettandoci direttamente nel punto di vista psicologico dei suoi personaggi tormentati, risultando in un'opera di sorprendente purezza.

I dettagli della trama coinvolgono accordi di droga, poliziotti sotto copertura, l'idea di `` andare troppo in profondità '' come stile di vita, doppie croci, sparatorie, tradimenti - tutto il tipo di chicche drammatiche criminali che ti aspetteresti da un regista il cui il pane e il burro sono 'drammi polizieschi epici'. Mann e il nuovo DP Dion Beebe usa un sacco di quella fotografia digitale prosumer a cui sono così affezionati per rendere questi capperi del crimine con immagini vivide e sorprendentemente dettagliate. Una sequenza, che si svolge nel mezzo di un uragano letterale (questo set è un altro hall-of-famer di 'folli Mann set practice' coinvolgendo falsi busti di droga, veri criminali come attori, Foxx che chiede un aumento e una uguale fatturazione per il suo ruolo di supporto e, naturalmente, le riprese durante un uragano letterale), sfrutta l'ampio sensore di cattura delle fotocamere digitali, risultando in un'immagine Non l'ho mai visto in un film prima o dopo. Il cielo è nero come la pece, più o meno. È anche vivo nella fluidità viola, con strisce di fulmini che scendono a cascata chiaramente, spaventando i loro personaggi e simboleggiando la vastità dei loro casi, delle loro vite. Miami vice passa al livello di chiarezza solo occasionalmente, rimanendo principalmente nel fango a livello del suolo dei suoi personaggi antieroi.

Miami vice potrebbe anche avere il personaggio femminile più forte in tutta la filmografia solitamente dominata dagli uomini di Mann: Gong Li nei panni di Isabella, il signore della droga Montoya ( Luis Tosar ) consulente aziendale e amante, una professionista assolutamente consumata che è disposta a mettere in gioco il suo corpo in un modo che mi ricorda Manhunter il protagonista maschile. Trova uno spirito affine in Crockett di Farrell, ei due si imbarcano in una storia d'amore nascosta e sfidata che spinge le filosofie di Mann al limite (ed è forse la seconda storia d'amore di Mann più romantica dopo Moicani ). Voglio veramente e disperatamente che questi due si calmino, smettano di mettersi nei guai e stiano semplicemente l'uno con l'altro. Ma se hai visto anche un solo film di Mann, sai che non è così facile. E Miami vice fotogrammi che hanno condannato il viaggio esistenziale nella prima persona di stile possibile, a suo vantaggio unico.

4. Ladro

Immagine tramite United Artists

Il film d'esordio di Mann, il thriller / studio sui personaggi del 1981 Ladro , è, a mio avviso, uno dei grandi debutti nella storia del cinema americano. Non solo perché è un grande orologio - e lo è davvero - ma perché introduce gli impulsi artistici di Mann, i svolazzi stilistici e le ossessioni narrative con cristallizzata sicurezza. Ladro è sia il modello per il resto della sua carriera, un punto culminante della sua carriera fino ad oggi, sia un racconto piacevolmente semplice nella sua mente, specialmente se paragonato alle epiche poliziesche più labirintiche e confuse fatte più tardi nella vita di Mann .

James Caan interpreta un criminale in carriera di nome Frank. È - e questo potrebbe sorprenderti - molto, molto bravo nel suo lavoro, con Mann che mostra le sue notevoli capacità di scassinatore con un'elegante sequenza preliminare di primi piani procedurali scuri, grintosi e dannatamente belli. E mentre l'abilità di Frank nella sua linea di lavoro è indiscussa, i margini violenti intorno a lui stanno iniziando a chiudersi e il desiderio di stabilirsi e mettere su famiglia risuona sempre più forte. Questo desiderio è sfortunatamente compensato da alcuni debiti che Frank deve (o dovrei dire 'deve'), lasciandolo nella necessità pressante di tirare alcuni risultati finali prima di poter ottenere ciò di cui ha veramente bisogno e vuole.

Il mestiere di Mann in questo irresistibile mondo criminale è impeccabile. La fotografia su pellicola esplode di colori oleosi e tattili (specialmente se la guardi su quel blu-ray Criterion, mio ​​dio), la colonna sonora di Tangerine Dream è, ovviamente, più bella che bella, e il lavoro di montaggio da Dov Hoenig riesce a superare il confine tra 'intrighi frenetici' e 'rivelazioni di carattere paziente' senza mai sentirsi troppo veloci o troppo lenti. Ma ricorderò sempre Ladro a causa di una scena, una scena che Man e Hoenig permettono di riprodurre molto più a lungo di qualsiasi altra cosa prima.

fine dell'ultimo di noi

Frank è seduto in una tavola calda con Jessie ( Martedì saldatura ), una donna con cui ha appena iniziato a frequentarsi. Ha appena ottenuto un ottimo punteggio. E ... non ce la fa più. I due personaggi cadono così in una conversazione emotivamente disperata su sogni, desideri e un mondo insensibile che non ti farà sentire nulla. È una scrittura inaspettatamente nuda di Mann, che si sente naturalistica e autentica quando i suoi mondi di solito si sentono pianificati a pochi centimetri dalle loro vite, e Caan e Weld non hanno bisogno di lavorare sulla scena per dargli la necessaria grinta interiore. I professionisti incalliti del mondo di Mann sono semplici umani, dopotutto. E Mann sapeva di volerlo dire fin dal primo film. Notevole.

3. Calore

Immagine tramite Warner Bros.

Calore è molto sciocco. Ma, anche, strappa duramente. In un imponente 'poco meno di tre ore', Mann tratta la sua trama semplice e fondamentale di poliziotti contro ladri e ladri contro sbirri come una tragedia mitica classica con A Ton To Say. Lo fa assolutamente. Eppure ... lo è così stupido . È pieno zeppo di energia, performance e scelte artigianali da `` film di prestigio maschile '', emettendo un segnale così potente che ha influenzato innumerevoli pietre di paragone come Il Cavaliere Oscuro da. Lo fa con sconvolgente serietà. Mai una volta il film mette in dubbio la necessità di impegnarsi così duramente e così profondamente con le banalità di poliziotti e ladri che tutti diamo per scontate. Mai una volta Al Pacino I partner di scena, dopo aver sentito il loro ufficiale superiore, l'eterno acerrimo nemico o la moglie parlare di un dialogo con quella che definirei 'la lettura più strana di sempre', si fermano e interrogano ciò che è appena accaduto. La parola 'calore' è usata circa 800 volte in contesti diversi, ed è tutta pronunciata con stoica importanza. E io, semplicemente, non ho mai voluto che finisse.

Potrei guardare Calore finché Calore vuole riscaldare l'articolazione. È Robert De Niro dicendo battute come 'Vuoi muoverti per strada? Non avere allegati. Non lasciare che nella tua vita ci sia nulla su cui non puoi uscire in 30 secondi netti se noti il ​​caldo dietro l'angolo e credi e vendi ogni dannata parola viola. Pacino è disposto a essere una figura di tenera empatia, in particolare quando ha a che fare con la sua travagliata figliastra Natalie Portman , o quando abbraccia la madre dell'ultima vittima di un criminale. Mann è disposto a far sì che i suoi personaggi affermino esplicitamente i temi dei criminali e dei guardiani della legge che sono simili, dei professionisti che non sono in grado di rimanere presenti quando si tratta di connessioni personali, del compito come identità. È ogni attore maschio degno di nota che si urla a vicenda. È una sparatoria lunga e rumorosa nel mezzo della dannata Los Angeles in piena luce diurna. Sapevi che la scena del ristorante è l'unica volta che De Niro e Pacino si incontrano?

È tutto questo, realizzato e venduto con la massima qualità. Sono stronzate di Macho Poetry al loro meglio. Lunga vita Calore .

2. L'insider

Immagine tramite Buena Vista Pictures Distribution

Se Calore è per certi versi un cucciolo di cane che si tira fuori il guinzaglio, L'infiltrato è una bestia più anziana, saggia e persino cinica, desiderosa di fare il suo cammino con più pazienza. Tanto meglio anche per questo, dato che Mann guadagna ogni fotogramma di questa esposizione di due ore e mezza. È il tipo di racconto per adulti che, se fosse stato realizzato oggi, riceverebbe il trattamento della 'miniserie limitata di prestigio in sei episodi'. Grazie al cielo ci è arrivato nel 1999, quindi, perché i suoi piaceri cinematografici strabilianti meritano di essere sperimentati, apprezzati e deliziati in una sola seduta.

Basato su una storia vera, L'infiltrato segue il dottor Jeffrey Wigand ( Russell Crowe ), ex dirigente di una compagnia di tabacco che ora è interessato a denunciare l'approccio indifferente e spietato dell'industria del tabacco a qualsiasi cosa che assomigli alla 'salute pubblica'. Lowell Bergman ( Al Pacino ) è un produttore televisivo per 60 minuti , Il principale programma di newsmagazine della CBS ospitato da il figura dell'integrità giornalistica dell'epoca, Mike Wallace (interpretato con energia e intenzione incendiaria da Christopher Plummer ). Mentre Bergman decide di affrontare la storia di Wigand per 60 minuti 'La prossima grande storia, i muri si chiudono, duramente, da ogni direzione. L'industria del tabacco minaccia la casa e la famiglia di Wigand, gli scheletri dell'armadio di tutti cadono alla ribalta, persino lo stesso Wallace inizia a mettere in discussione le scelte di Bergman. Può la verità - o qualcosa che le somiglia lontanamente - avere il suo tempo? E sarà anche importante una volta che lo farà?

Mann, opportunamente, approfondisce tutte queste domande con furore giornalistico. Ma non necessariamente un reporter beat standard. Il lavoro di Mann qui è più simile a un appassionato scrittore editoriale. Ha capito tutti i suoi fatti, certo. Ma lui sa che il modo più forte per fare un punto, per cambiare idea, è attraverso l'emozione. E anche quando i personaggi di L'infiltrato lottando con il modo migliore per comunicare le proprie verità ed emozioni, Mann e il suo cast impeccabile (hanno scelto Crowe in ruoli di livello più basso, vigliacchi!) sanno come interpretarli con la perfetta miscela di chiarezza e ambiguità. In qualche modo, L'infiltrato ti farà sentire sia amaramente stanco che aggressivamente speranzoso riguardo al potere del duro lavoro, della determinazione e del dire la dannata verità. Come tutti i personaggi di Mann, L'infiltrato spera che non ci fermiamo mai.

1. Garanzia

Immagine tramite DreamWorks Pictures

credo Collaterale fa il mio numero uno a causa della sua conclusione ideologica che il cambiamento è possibile. Gran parte dei mondi di Mann trovano i loro personaggi bloccati nei loro destini professionali, con i loro desideri personali che prendono un posto in secondo piano. Ma Collaterale osa sognare un futuro migliore per Jamie Foxx il personaggio principale. E tutto inizia con Tom Cruise entrando nel suo sedile posteriore.

Questo non è l'affascinante eroe d'azione Tom Cruise, però. Questa è l'opera più deliziosamente malvagia di Cruise fino ad oggi. Interpreta Vincent, un sicario più anziano e ingrigito che è comunque - e sono quasi triste che sia l'ultima volta che lo dico! - a professionista consumato . Salta in un taxi guidato da Max Durocher (Foxx), e gli assegna il tipo di compito per cui i fan dei thriller di genere a medio budget (come me) andranno alla grande: devo uccidere questi bersagli, e te ' mi porterai a tutti loro. I brividi che si verificano dopo sono, ovviamente, filmati in sequenze sorprendenti di suspense insopportabile e minaccia genuina, soprattutto considerando che la loro fonte proviene da una bella (e ancora carismatica!) Crociera. Mann lavora con due DP, Dion Beebe e Paul Cameron , utilizzando una tonnellata di fotografie digitali, ma non esclusivamente, per inquadrare le loro notti in città con rappresentazioni adeguatamente nebulose, sporche ma chiare di questo mondo sotterraneo di criminalità e corruzione. Le azioni di violenza sono incalzanti, il tet-a-tet tra Foxx e Cruise è avvincente, e lodalo, Mann ferma tutto per farci andare ad ascoltare un po 'di jazz in un dannato jazz club. Collaterale rappresenta tutto ciò che amo dell'estetica del tardo periodo di Mann e dei punti di ingresso narrativi, addobbati in un veicolo ben strutturato di divertimento cinematografico.

Ma perché numero uno? Foxx, a differenza di tanti protagonisti di Mann, non è necessariamente interessato ad essere il migliore in assoluto nel suo lavoro. È un ottimo tassista, certo, e prende sul serio il lavoro. Ma ha un sogno. Letteralmente e fisicamente, un sogno di avviare un'attività in proprio e lasciare il taxi alle spalle. Ma emotivamente e spiritualmente, un sogno di passare da ciò che le nostre professioni insistono che dobbiamo essere. Di evolversi. Di trovare un nuovo scopo, di trovare ... l'amore. Tutto questo è stabilito con un'affascinante e adorabile interazione tra Foxx e un passeggero interpretato da Jada Pinkett Smith (che, come si può intuire dall'immagine usata, gioca molto più tardi nella trama del thriller). E poi Cruise arriva e mette questo sogno alla prova assoluta, rendendo Foxx 'Do His Job' mentre 'Fa il suo lavoro', servendo quasi come il tipico protagonista di qualsiasi altro film di Mann (sta dicendo che Mann stesso non è accreditato come uno scrittore).

Non voglio rovinare la fine di Collaterale per te. Ma dirò questo: crederai, con tutto il cuore, ai messaggi ideologici di cambiamento rappresentati da Foxx e Smith. Questo mi rende un debole per aver scelto questo finale hollywoodiano come il numero uno di Mann rispetto ai testi più incalliti che ha fatto? Peccato...

... perché essere sentimentale e gioioso per il messaggio dei film ... è il mio lavoro .